ACCADDE OGGI - Il 28 settembre 1952, muore a Boston il compositore Paul Hastings Allen.

Caro Maestro Miranda, grazie per la sua disponibilità per questa intervista con Mycello.it. Benvenuto sulle nostre pagine.
Perché la professione di musicista? Vi erano musicisti nella sua famiglia? Se sì, quanto hanno influenzato le sue scelte future?
Innanzitutto vorrei ringraziare Mycello.it per questa opportunità di parlare della mia musica.
Ho un background familiare per quanto riguarda la musica. Mia nonna era una cantante classica (soprano) e si è anche diplomata al corso di pianoforte al Conservatorio Nazionale di Lisbona. Mio nonno suonava il violoncello (ha studiato anche al Conservatorio) anche se non ha seguito la carriera artistica. Avevo anche un cugino che insegnava composizione in un’università degli Stati Uniti. Ho molti bei ricordi della mia infanzia riguardo alla musica, quindi è stato un passo naturale per me diventare un musicista.
Possiamo conoscere brevemente il periodo della sua formazione come musicista? Dove ha studiato e con chi?
La mia formazione musicale iniziale è stata impartita da mia nonna. Mi ha insegnato teoria musicale e pianoforte. In seguito, ho iniziato a studiare musica all’Academia de Amadores de Música, dove ho preso lezioni di teoria musicale e pianoforte. Ho studiato lì per due anni e poi sono stato ammesso al Conservatorio Nazionale di Lisbona dove mi sono diplomato. Sono stato davvero fortunato ad avere lì dei grandi insegnanti che mi hanno insegnato molto e che mi hanno trasmesso la loro passione per la musica.
Solo per citarne alcuni, ho studiato pianoforte con il pianista António Toscano, teoria musicale con Gabriela Canavilhas, composizione con Jorge Machado e canto corale con il direttore e compositore Paulo Brandão. Ho anche avuto lezioni private di composizione con Sérgio Azevedo e orchestrazione con Paulo Brandão.
Quando è nata questa consapevolezza di diventare compositore? Quale insegnante l’ ha accompagnata nei suoi inizi ed ha sostenuto questa scelta?
Questa è una buona domanda! Onestamente, non so da dove provenga questa passione per la composizione. Ricordo che nel mio primo recital pianistico all’Academia de Amadores de Música chiesi al mio maestro se potevo suonare un pezzo da me scritto, si chiamava Notturno in Sol minore (purtroppo lo spartito manoscritto è andato perduto!). Al Conservatorio avevo già la passione per la scrittura musicale prima di iniziare i corsi di composizione ed in seguito il mio insegnante di composizione, Jorge Machado, mi ha incoraggiato a seguire quella passione.
Il nostro sito è dedicato al violoncello: qual è il suo rapporto con questo strumento? Che importanza ha nelle sue composizioni?
Posso dire che il violoncello è uno dei miei strumenti preferiti. Penso che sia uno strumento che ha una versatilità incredibile. In un’orchestra, il registro grave può portare molto bene l’armonia e il suo registro alto ha una portata lirica e tremenda che può davvero risaltare.
Qualche anno fa ho scritto un romanzo per violino, violoncello e orchestra in cui violino e violoncello agiscono come solisti e condividono un dialogo interessante in termini di temi melodici. È stata una vera gioia scrivere questo pezzo.
Lei è un musicista nato in Portogallo: quanto il suo pensiero musicale è stato influenzato dalla musica europea (in senso lato) e quanto dalla tradizione portoghese, che ovviamente significa “fado”?
Devo essere onesto, non sono un grande fan del Fado! Mi piace ascoltarlo dal vivo ma non ho mai comprato un CD di fado né l’ho nelle mie playlist. È quasi un peccato che un portoghese lo dica, ma, beh… è la verità!
La musica europea, soprattutto in termini di musica “classica”, ha una forte influenza nel mio lavoro poiché ho studiato le partiture di compositori europei come Mahler, R. Strauss, Rossini, Beethoven
Quali compositori e musicisti portoghesi vuole ricordarci? Cosa significano per lei? Stiamo parlando anche di altri compositori, non strettamente portoghesi, che hanno influenzato il suo carattere di scrittore di musica.
Abbiamo avuto alcuni grandi compositori in passato, come João Domingos Bomtempo, Luís de Freitas Branco, José Vianna da Motta, ma stranamente, quando studiavo composizione al Conservatorio, non avevo molti contatti con la loro musica, quindi posso dire che non hanno avuto una grande influenza su di me come compositore.
In termini di musica contemporanea (musica atonale, musica a dodici toni, ecc.) ci sono alcuni compositori portoghesi che hanno avuto e hanno tuttora una solida carriera, ma, onestamente, è uno stile musicale a cui non sono molto affezionato.
Ci sono musicisti portoghesi davvero bravi, al pianoforte, Maria João Pires e Artur Pizarro sono buoni esempi.
Per quanto riguarda i compositori che hanno avuto, e hanno tuttora, una grande influenza nella mia musica, nominerei principalmente Gustav Mahler (ho imparato molto con la sua musica, soprattutto sull’orchestrazione e l’armonia), Richard Strauss (un altro straordinario orchestratore e compositore), Elgar e Beethoven.
Parlando di musica da film, mi piacciono molto le musiche di Ennio Morricone, John Williams, Bernard Herrmann, John Barry, James Horner, Hans Zimmer
Cosa può dirci della musica colta in Portogallo oggi? Nels suo significato non solo classico ma anche riferito alla tradizione popolare.
Sfortunatamente, direi che la musica classica è un mercato di nicchia in Portogallo e, soprattutto per i compositori, un mercato molto difficile in cui entrare. Tuttavia, penso che negli ultimi anni abbiamo riscontrato un nuovo interesse, soprattutto da parte dei più giovani, per la musica orchestrale. Credo che questo sia, in parte, dovuto al fatto che i più giovani scoprono la musica orchestrale ascoltando colonne sonore e compositori neoclassici.
Ad esempio, prima della pandemia di COVID19, la Gulbenkian Orchestra (una delle orchestre più prestigiose del Portogallo) aveva nella sua stagione annuale una serie di concerti dedicati alla musica da film, in cui l’orchestra eseguiva la colonna sonora durante la proiezione del film. Questi concerti sono stati un enorme successo ed erano sempre sold out. Inoltre, i concerti eseguiti da Ólafur Arnalds e dal suo ensemble sono stati un grande successo qui. Quindi, credo che questo tipo di eventi stia avvicinando più persone al mondo della musica classica.
“Hollywood Suite”: Può parlarci di questo lavoro sinfonico che ha scritto e cosa ha rappresentato per lei?
Sono sempre stato appassionato di musica da film perché unisce due cose che mi piacciono molto: la musica e il cinema.
Quando frequentavo l’ultimo anno al Conservatorio, ho fatto domanda per il corso di musica per film al Berklee College of Music. Per richiedere una borsa di studio, ho dovuto presentare un’opera musicale, quindi ho deciso di scrivere la Hollywood Suite. Questo lavoro sinfonico è diviso in quattro movimenti, ognuno dei quali rappresenta uno stile musicale normalmente associato alle scene dei film: Avventura, Romantico, Azione, Drammatico. L’ho scritto prima per pianoforte e poi orchestrato. È stato un lavoro che ha mi dato un’enorme gioia nello scriverlo e mi ha concesso una borsa di studio alla Berklee, anche se ho finito per non andarci.
“Adagio lamentoso”: i Berliner Solisti hanno portato questo brano nel loro tour. Vuole descrivere questo adagio? Sia nella sua scrittura che nell’aspetto emotivo e sentimentale dell’ascoltarlo?
L’”Adagio”, probabilmente è il mio lavoro preferito ed è dedicato al mio compositore preferito: Gustav Mahler. Con questo lavoro, scritto per orchestra d’archi, ho voluto evocare i movimenti lenti delle sinfonie di Mahler. L’orchestrazione, con tanto di divisi, è tipica di Mahler, ma invece di essere solo un esercizio compositivo di scrittura “alla Mahler’s style” ho voluto dargli il mio tocco personale. Penso che l’Adagio sia il mio lavoro intimo ed emotivo!
Laurentius Dinca (il primo violino del quintetto d’archi Berliner Philharmoniker) mi ha chiesto se potevo scrivere una versione per quintetto d’archi dell’Adagio da eseguire nel loro tour in Giappone. È stata una sfida scrivere una versione per quintetto d’archi e mantenere l’emozione originale del lavoro, soprattutto a causa delle sezioni divisi della versione originale, ma mi ha dato un enorme piacere rivisitare questo lavoro e scrivere questo arrangiamento. I Berliner Solisti l’hanno eseguita magnificamente! Penso che suoneranno l’Adagio lamentoso, nel 2022, nel loro tour spagnolo.

Ora vorrebbe parlarci di alcune delle sue altre composizioni?
Mi piace scrivere diversi stili di musica; Ho composizioni scritte in stile musica da film (“Hollywood Suite” e “Farewell” sono buoni esempi), in uno stile più “classico” (“Adagio lamentoso”, “Romance for Violin, Cello and Orchestra”, i miei lavori corali sono anche più tradizionali).
Nel mio album “Può non essere sempre così” ho esplorato un po’ il mondo della musica minimal. Questo è un album di musica ispirato a poesie scritte da E. E. Cummings (il mio poeta preferito) e scriverlo mi ha dato una grande soddisfazione. Solo una delle 10 canzoni dell’album è scritta per orchestra d’archi, le altre sono scritte per quintetto con pianoforte (pianoforte e quartetto d’archi) e per pianoforte solo. Quindi, è un album dal suono molto intimo, dove ho cercato di descrivere, attraverso la musica, le sensazioni e le emozioni portate dalle poesie di Cummings.
“Romance for Violin, Cello and Orchestra” è un pezzo scritto in una forma e uno stile molto “classici”, dove i due strumenti solisti assumono il ruolo principale nel pezzo.
La prima volta che sono andato in Brasile, sono rimasto così colpito dal ritmo contagioso della loro musica (soprattutto il Samba) che quando sono tornato in Portogallo ho composto la “Brazilian Rhapsody”, un lavoro scritto per una grande orchestra sinfonica e con un sezione di percussioni brasiliane. È un pezzo molto gioioso! Ho anche scritto un altro pezzo che evoca quei viaggi in Brasile, un lavoro per pianoforte solo intitolato “Memories from Brazil”.
Mi piace molto anche scrivere musica corale. Ad esempio, “Libera me” è un pezzo a cappella che è stato eseguito dal coro francese Maîtrise de Garçons de Colmar quando sono venuti a Lisbona per una serie di concerti. Ho diversi brani corali che sono ancora inediti, ma è nei miei piani futuri pubblicarli e registrarli.
Conosce l’Italia? Il nostro paese ha avuto influenza sul suo lavoro?
Sì, sono stato in Italia (a Roma e Firenze) diverse volte e mi piace molto! Penso che un compositore sia spesso influenzato dal lavoro di altri compositori e l’Italia ha molti grandi compositori. Ho studiato le opere di Rossini, Puccini, Verdi (solo per citarne alcuni) e mi hanno insegnato molto.
Come compone la sua musica: con carta e matita o usa il pc? Se in quest’ultimo modo, questo strumento aiuta la sua creatività?
Fino a due o tre anni fa scrivevo tutti i miei lavori alla vecchia maniera, con carta e matita. Forse perché ho un background di musica classica, mi sono sentito più a mio agio a comporre in quel modo. Tuttavia, questo metodo mi ha consumato molto tempo, perché dopo aver composto il pezzo avrei dovuto inserire tutte le note, strumento per strumento, in un software di notazione in modo da poterlo stampare e preparare le parti per i musicisti.
Al giorno d’oggi, il metodo che uso dipende dal tipo di lavoro che sto scrivendo. Per il pianoforte solo e le opere corali, preferisco scrivere al pianoforte con carta e matita. Per gruppi più grandi o lavori orchestrali, preferisco utilizzare una DAW (Digital Audio Workstation) per la composizione.
Di solito scrivo uno sketch in 9 o 10 tracce (questo sketch ha circa il 50% dell’orchestrazione fatta) e dopo averlo finito inizio la parte di orchestrazione usando un software di notazione. Allo stesso tempo, registro le parti orchestrate nella DAW in modo da poter ottenere un mockup del risultato finale.
Per quanto riguarda la questione della creatività, direi che entrambi i metodi hanno vantaggi e svantaggi. Comporre con una DAW mi dà l’opportunità di sperimentare nuovi suoni e la possibilità di avere tra le dita un’orchestra, ma, a volte, mi ritrovo a provare un sacco di cose che mi fanno perdere tempo prezioso. Quando compongo al pianoforte, con carta e matita, mi concentro solo sul pianoforte, ma questo può anche limitare la tavolozza sonora che sto cercando.
Conosce la violoncellista Guilhermina Suggia? Qual è la sua opinione su questo importante violoncellista, figura di spicco della musica internazionale del periodo?
Ricordo che una volta, durante una lezione di Storia della musica al Conservatorio, il suo nome fu menzionato come uno dei più grandi violoncellisti del suo tempo. Ho letto che Suggia e Pablo Casals (con cui ha studiato) erano considerati i migliori violoncellisti del loro tempo. È un bel risultato! Sfortunatamente, non ci sono quasi registrazioni del suo modo di suonare e forse a causa di ciò la maggior parte dei portoghesi (incluso me!) non sanno molto del suo lavoro.
Solo se è possible chiederlo: a cosa sta lavorando ora e quali sono i suoi progetti futuri come compositore?
In questo momento, sto finendo l’orchestrazione di un pezzo sinfonico di 13 minuti che farà parte del mio nuovo album. Questo album sarà più vario dal punto di vista strumentale rispetto al precedente, poiché conterrà anche brani scritti per orchestra, oltre al pianoforte e al quintetto con pianoforte. Avevo in programma di pubblicare l’album alla fine di quest’anno ma, nel frattempo, ho iniziato a scrivere la colonna sonora per un film. Il regista del film, Miguel Gaudêncio, mi ha chiesto una colonna sonora puramente orchestrale, con anche un coro, quindi è per me un grande piacere scrivere.
Il film dovrebbe essere presentato in anteprima a dicembre 2022. Vediamo se le riprese non subiranno ulteriori ritardi causati dalla situazione pandemica!
Vorrei anche avere il tempo di finire un quartetto d’archi che ho iniziato a scrivere qualche tempo fa (il primo e il secondo movimento sono già finiti).
Caro Maestro Bruno Miranda, un sentito ringraziamento per la sua disponibilità a questa intervista. A lei un augurio per un futuro ricco di successi professionali ma anche per tutti gli altri aspetti della sua vita.
Grazie per questa opportunità di parlare della mia musica! È stato un vero piacere!

Sala Vanni

Il Concorso Internazionale di Interpretazione Musicale “Marcello Pontillo” si svolgerà a Firenze, nella Sala Vanni, in Piazza del Carmine nr.19, nei giorni 11, 12, 13 ottobre 2019. Tutte le esecuzioni dei musicisti, sia le prove che la finale, saranno aperte al pubblico. La peculiarità del concorso è la valutazione non solo del livello tecnico ed interpretativo dei concorrenti, ma anche della loro capacità di costruire un programma che proponga un percorso musicale coerente, originale e ben presentato al pubblico. Il concorso, dedicato a Marcello Pontillo, ex presidente dell’Ensemble Nuovo Contrappunto, ed appassionato sostenitore della necessità di sostenere i giovani talenti musicali, prematuramente scomparso nel settembre 2017,  è forse uno dei tasselli più significativi del caleidoscopico cartellone della 16^ edizione del festival Suoni riflessi: un itinerario musicale creativo e stimolante attraverso la storia della musica classica, costellato di affascinanti accostamenti culturali.

“Il Concorso Internazionale di Interpretazione Musicale Marcello Pontillo ha come obiettivo principale quello di creare un’opportunità di rilievo per giovani musicisti. Esso nasce dal Festival Suoni Riflessi, il cui scopo fondante è rendere la musica un linguaggio partecipato e coinvolgente nella sua espressione esecutiva, aperto ad un pubblico di appassionati interessati agli aspetti profondi di quest’arte e della cultura in genere. Vuole perciò stimolare nei giovani la qualità musicale e comunicativa delle proprie esecuzioni, la ricerca di linee progettuali nei propri programmi, la comunicazione con il pubblico come essenziale indirizzo artistico”.

Il concorso, come è indicato nel regolamento, è aperto a musicisti solisti (strumentisti e cantanti) e gruppi dal duo al sestetto, con un’età compresa fra i 16 e i 32 anni, calcolata al 11.10.2019, giorno di inizio del concorso. Nel caso di gruppi, si calcola la media delle età dei componenti, ma tale media non deve superare i 32 anni alla data del 11.10.2019. Chi desidera iscriversi al concorso deve inviare via e-mail la domanda di partecipazione, redatta utilizzando l’apposito modulo, all’indirizzo info@concorsomusicalefirenze.it entro e non oltre il 21 settembre 2019. La quota di partecipazione al concorso, da versare all’atto della iscrizione: Euro 70 per solisti e Euro 40 per ciascun componente dei gruppi.

La prima e la seconda prova, nei giorni 11 e 12 ottobre 2019, si svolgeranno presso la Sala Vanni in Piazza del Carmine, a Firenze, avranno inizio alle ore 10.00 e seguiranno l’orario stabilito e pubblicato nella pagina Informazioni del sito del concorso stesso. Gli orari della seconda prova saranno stabiliti dopo i risultati della prima, comunicati direttamente ai candidati e quindi pubblicati sul sito. 

La prova finale, il 13 ottobre 2019, si svolgerà sempre presso la Sala Vanni, con inizio alle ore 11.00, procedendo secondo gli orari comunicati ai candidati e pubblicati sul sito, davanti al pubblico dei soci del Festival Suoni Riflessi 2019.

La Segreteria stabilirà degli orari (necessariamente limitati) per le prove di acustica e del pianoforte nella sale. I concorrenti avranno a disposizione due sale studio al Conservatorio L. Cherubini di Firenze- Piazza delle Belle Arti, 2, 50122 Firenze – nei giorni 11 e 12 in orario 10 – 16 secondo turni organizzati dalla Segreteria.

Particolarmente prestigiosa la giuria, composta dal direttore d’orchestra Aldo Ceccato, dal violoncellista Alain Meunier, dai flautisti Mario Ancillotti e Pierre Wavre, dal pianista Matteo Fossi

Le votazioni verranno espresse in punteggio aritmetico, quale risultato della media dei voti formulati dai singoli Commissari, e pubblicate sul sito e in bacheca. In caso di parità prevale il giudizio del Presidente della Giuria. Le decisioni della Commissione sono definitive ed inappellabili. La Commissione si riserva il diritto di far accedere solo in parte o nessuno alle ulteriori prove qualora le esecuzioni non raggiungano il livello artistico necessario. La Direzione Artistica potrà in ogni momento chiamare a far parte della Giuria nuovi membri, qualora si rendesse necessario.

Questi i premi destinati ai vincitori del Concorso:

– 1° Premio          € 2.500
– 2° Premio         € 1.500
– 3° premio          € 500
– Premio speciale della Giuria per il progetto migliore per finalisti e semifinalisti   € 500
– Al 1° e 2° classificato verrà consegnato un benefit di € 200, al 3° classificato uno di € 100 della Ut Orpheus da utilizzare per acquisti di materiale editoriale.
Oltre ai premi stabiliti, al verrà offerta la possibilità di esibirsi nelle seguenti stagioni (In caso di ex-aequo l’assegnazione dei concerti verrà stabilita dalla Direzione Artistica).

– Festival Suoni Riflessi 2020
– Festival Ticino Musica 2020 (Lugano – Svizzera)
– Stagione 2020 dell’Associazione Scarlatti (Napoli)
– Stagione cameristica estiva di Campo Lo Feno (Isola d’Elba)
– Emilia Romagna Festival 2020
– Premio speciale “Musica con le Ali”

Il premio speciale “Musica con le Ali”, istituto dall’omonima Associazione Culturale, con sede a Milano, che ha lo scopo di promuovere giovani talenti italiani, sostenendoli nel loro percorso formativo e aiutandoli ad affermarsi nella propria professione potrà includere uno dei finalisti italiani, se di età compresa fra i 16 e i 23 anni, nella propria attività di promozione per l’anno 2020/21.

Per ulteriori dettagli: INFO

Il Concorso Internazionale di Interpretazione Musicale Marcello Pontillo è organizzato dall’ Ensemble Nuovo Contrappunto.

Direzione artistica: Mario Ancillotti (ancillottim@yahoo.it) – Matteo Fossi (matteo@sfconsul.it)

Organizzazione: Alessandra Aitini (info@concorsomusicalefirenze.it)

Segreteria: Chiara Bergamo: mariachiarabergamo@gmail.com

Organizzazione di Suoni Riflessi c/o Ensemble Nuovo Contrappunto Bagno a Ripoli – Firenze (Italy) via di Montisoni 97 – 50012