ACCADDE OGGI - Il 28 settembre 1952, muore a Boston il compositore Paul Hastings Allen.

Caro Maestro Miranda, grazie per la sua disponibilità per questa intervista con Mycello.it. Benvenuto sulle nostre pagine.
Perché la professione di musicista? Vi erano musicisti nella sua famiglia? Se sì, quanto hanno influenzato le sue scelte future?
Innanzitutto vorrei ringraziare Mycello.it per questa opportunità di parlare della mia musica.
Ho un background familiare per quanto riguarda la musica. Mia nonna era una cantante classica (soprano) e si è anche diplomata al corso di pianoforte al Conservatorio Nazionale di Lisbona. Mio nonno suonava il violoncello (ha studiato anche al Conservatorio) anche se non ha seguito la carriera artistica. Avevo anche un cugino che insegnava composizione in un’università degli Stati Uniti. Ho molti bei ricordi della mia infanzia riguardo alla musica, quindi è stato un passo naturale per me diventare un musicista.
Possiamo conoscere brevemente il periodo della sua formazione come musicista? Dove ha studiato e con chi?
La mia formazione musicale iniziale è stata impartita da mia nonna. Mi ha insegnato teoria musicale e pianoforte. In seguito, ho iniziato a studiare musica all’Academia de Amadores de Música, dove ho preso lezioni di teoria musicale e pianoforte. Ho studiato lì per due anni e poi sono stato ammesso al Conservatorio Nazionale di Lisbona dove mi sono diplomato. Sono stato davvero fortunato ad avere lì dei grandi insegnanti che mi hanno insegnato molto e che mi hanno trasmesso la loro passione per la musica.
Solo per citarne alcuni, ho studiato pianoforte con il pianista António Toscano, teoria musicale con Gabriela Canavilhas, composizione con Jorge Machado e canto corale con il direttore e compositore Paulo Brandão. Ho anche avuto lezioni private di composizione con Sérgio Azevedo e orchestrazione con Paulo Brandão.
Quando è nata questa consapevolezza di diventare compositore? Quale insegnante l’ ha accompagnata nei suoi inizi ed ha sostenuto questa scelta?
Questa è una buona domanda! Onestamente, non so da dove provenga questa passione per la composizione. Ricordo che nel mio primo recital pianistico all’Academia de Amadores de Música chiesi al mio maestro se potevo suonare un pezzo da me scritto, si chiamava Notturno in Sol minore (purtroppo lo spartito manoscritto è andato perduto!). Al Conservatorio avevo già la passione per la scrittura musicale prima di iniziare i corsi di composizione ed in seguito il mio insegnante di composizione, Jorge Machado, mi ha incoraggiato a seguire quella passione.
Il nostro sito è dedicato al violoncello: qual è il suo rapporto con questo strumento? Che importanza ha nelle sue composizioni?
Posso dire che il violoncello è uno dei miei strumenti preferiti. Penso che sia uno strumento che ha una versatilità incredibile. In un’orchestra, il registro grave può portare molto bene l’armonia e il suo registro alto ha una portata lirica e tremenda che può davvero risaltare.
Qualche anno fa ho scritto un romanzo per violino, violoncello e orchestra in cui violino e violoncello agiscono come solisti e condividono un dialogo interessante in termini di temi melodici. È stata una vera gioia scrivere questo pezzo.
Lei è un musicista nato in Portogallo: quanto il suo pensiero musicale è stato influenzato dalla musica europea (in senso lato) e quanto dalla tradizione portoghese, che ovviamente significa “fado”?
Devo essere onesto, non sono un grande fan del Fado! Mi piace ascoltarlo dal vivo ma non ho mai comprato un CD di fado né l’ho nelle mie playlist. È quasi un peccato che un portoghese lo dica, ma, beh… è la verità!
La musica europea, soprattutto in termini di musica “classica”, ha una forte influenza nel mio lavoro poiché ho studiato le partiture di compositori europei come Mahler, R. Strauss, Rossini, Beethoven
Quali compositori e musicisti portoghesi vuole ricordarci? Cosa significano per lei? Stiamo parlando anche di altri compositori, non strettamente portoghesi, che hanno influenzato il suo carattere di scrittore di musica.
Abbiamo avuto alcuni grandi compositori in passato, come João Domingos Bomtempo, Luís de Freitas Branco, José Vianna da Motta, ma stranamente, quando studiavo composizione al Conservatorio, non avevo molti contatti con la loro musica, quindi posso dire che non hanno avuto una grande influenza su di me come compositore.
In termini di musica contemporanea (musica atonale, musica a dodici toni, ecc.) ci sono alcuni compositori portoghesi che hanno avuto e hanno tuttora una solida carriera, ma, onestamente, è uno stile musicale a cui non sono molto affezionato.
Ci sono musicisti portoghesi davvero bravi, al pianoforte, Maria João Pires e Artur Pizarro sono buoni esempi.
Per quanto riguarda i compositori che hanno avuto, e hanno tuttora, una grande influenza nella mia musica, nominerei principalmente Gustav Mahler (ho imparato molto con la sua musica, soprattutto sull’orchestrazione e l’armonia), Richard Strauss (un altro straordinario orchestratore e compositore), Elgar e Beethoven.
Parlando di musica da film, mi piacciono molto le musiche di Ennio Morricone, John Williams, Bernard Herrmann, John Barry, James Horner, Hans Zimmer
Cosa può dirci della musica colta in Portogallo oggi? Nels suo significato non solo classico ma anche riferito alla tradizione popolare.
Sfortunatamente, direi che la musica classica è un mercato di nicchia in Portogallo e, soprattutto per i compositori, un mercato molto difficile in cui entrare. Tuttavia, penso che negli ultimi anni abbiamo riscontrato un nuovo interesse, soprattutto da parte dei più giovani, per la musica orchestrale. Credo che questo sia, in parte, dovuto al fatto che i più giovani scoprono la musica orchestrale ascoltando colonne sonore e compositori neoclassici.
Ad esempio, prima della pandemia di COVID19, la Gulbenkian Orchestra (una delle orchestre più prestigiose del Portogallo) aveva nella sua stagione annuale una serie di concerti dedicati alla musica da film, in cui l’orchestra eseguiva la colonna sonora durante la proiezione del film. Questi concerti sono stati un enorme successo ed erano sempre sold out. Inoltre, i concerti eseguiti da Ólafur Arnalds e dal suo ensemble sono stati un grande successo qui. Quindi, credo che questo tipo di eventi stia avvicinando più persone al mondo della musica classica.
“Hollywood Suite”: Può parlarci di questo lavoro sinfonico che ha scritto e cosa ha rappresentato per lei?
Sono sempre stato appassionato di musica da film perché unisce due cose che mi piacciono molto: la musica e il cinema.
Quando frequentavo l’ultimo anno al Conservatorio, ho fatto domanda per il corso di musica per film al Berklee College of Music. Per richiedere una borsa di studio, ho dovuto presentare un’opera musicale, quindi ho deciso di scrivere la Hollywood Suite. Questo lavoro sinfonico è diviso in quattro movimenti, ognuno dei quali rappresenta uno stile musicale normalmente associato alle scene dei film: Avventura, Romantico, Azione, Drammatico. L’ho scritto prima per pianoforte e poi orchestrato. È stato un lavoro che ha mi dato un’enorme gioia nello scriverlo e mi ha concesso una borsa di studio alla Berklee, anche se ho finito per non andarci.
“Adagio lamentoso”: i Berliner Solisti hanno portato questo brano nel loro tour. Vuole descrivere questo adagio? Sia nella sua scrittura che nell’aspetto emotivo e sentimentale dell’ascoltarlo?
L’”Adagio”, probabilmente è il mio lavoro preferito ed è dedicato al mio compositore preferito: Gustav Mahler. Con questo lavoro, scritto per orchestra d’archi, ho voluto evocare i movimenti lenti delle sinfonie di Mahler. L’orchestrazione, con tanto di divisi, è tipica di Mahler, ma invece di essere solo un esercizio compositivo di scrittura “alla Mahler’s style” ho voluto dargli il mio tocco personale. Penso che l’Adagio sia il mio lavoro intimo ed emotivo!
Laurentius Dinca (il primo violino del quintetto d’archi Berliner Philharmoniker) mi ha chiesto se potevo scrivere una versione per quintetto d’archi dell’Adagio da eseguire nel loro tour in Giappone. È stata una sfida scrivere una versione per quintetto d’archi e mantenere l’emozione originale del lavoro, soprattutto a causa delle sezioni divisi della versione originale, ma mi ha dato un enorme piacere rivisitare questo lavoro e scrivere questo arrangiamento. I Berliner Solisti l’hanno eseguita magnificamente! Penso che suoneranno l’Adagio lamentoso, nel 2022, nel loro tour spagnolo.

Ora vorrebbe parlarci di alcune delle sue altre composizioni?
Mi piace scrivere diversi stili di musica; Ho composizioni scritte in stile musica da film (“Hollywood Suite” e “Farewell” sono buoni esempi), in uno stile più “classico” (“Adagio lamentoso”, “Romance for Violin, Cello and Orchestra”, i miei lavori corali sono anche più tradizionali).
Nel mio album “Può non essere sempre così” ho esplorato un po’ il mondo della musica minimal. Questo è un album di musica ispirato a poesie scritte da E. E. Cummings (il mio poeta preferito) e scriverlo mi ha dato una grande soddisfazione. Solo una delle 10 canzoni dell’album è scritta per orchestra d’archi, le altre sono scritte per quintetto con pianoforte (pianoforte e quartetto d’archi) e per pianoforte solo. Quindi, è un album dal suono molto intimo, dove ho cercato di descrivere, attraverso la musica, le sensazioni e le emozioni portate dalle poesie di Cummings.
“Romance for Violin, Cello and Orchestra” è un pezzo scritto in una forma e uno stile molto “classici”, dove i due strumenti solisti assumono il ruolo principale nel pezzo.
La prima volta che sono andato in Brasile, sono rimasto così colpito dal ritmo contagioso della loro musica (soprattutto il Samba) che quando sono tornato in Portogallo ho composto la “Brazilian Rhapsody”, un lavoro scritto per una grande orchestra sinfonica e con un sezione di percussioni brasiliane. È un pezzo molto gioioso! Ho anche scritto un altro pezzo che evoca quei viaggi in Brasile, un lavoro per pianoforte solo intitolato “Memories from Brazil”.
Mi piace molto anche scrivere musica corale. Ad esempio, “Libera me” è un pezzo a cappella che è stato eseguito dal coro francese Maîtrise de Garçons de Colmar quando sono venuti a Lisbona per una serie di concerti. Ho diversi brani corali che sono ancora inediti, ma è nei miei piani futuri pubblicarli e registrarli.
Conosce l’Italia? Il nostro paese ha avuto influenza sul suo lavoro?
Sì, sono stato in Italia (a Roma e Firenze) diverse volte e mi piace molto! Penso che un compositore sia spesso influenzato dal lavoro di altri compositori e l’Italia ha molti grandi compositori. Ho studiato le opere di Rossini, Puccini, Verdi (solo per citarne alcuni) e mi hanno insegnato molto.
Come compone la sua musica: con carta e matita o usa il pc? Se in quest’ultimo modo, questo strumento aiuta la sua creatività?
Fino a due o tre anni fa scrivevo tutti i miei lavori alla vecchia maniera, con carta e matita. Forse perché ho un background di musica classica, mi sono sentito più a mio agio a comporre in quel modo. Tuttavia, questo metodo mi ha consumato molto tempo, perché dopo aver composto il pezzo avrei dovuto inserire tutte le note, strumento per strumento, in un software di notazione in modo da poterlo stampare e preparare le parti per i musicisti.
Al giorno d’oggi, il metodo che uso dipende dal tipo di lavoro che sto scrivendo. Per il pianoforte solo e le opere corali, preferisco scrivere al pianoforte con carta e matita. Per gruppi più grandi o lavori orchestrali, preferisco utilizzare una DAW (Digital Audio Workstation) per la composizione.
Di solito scrivo uno sketch in 9 o 10 tracce (questo sketch ha circa il 50% dell’orchestrazione fatta) e dopo averlo finito inizio la parte di orchestrazione usando un software di notazione. Allo stesso tempo, registro le parti orchestrate nella DAW in modo da poter ottenere un mockup del risultato finale.
Per quanto riguarda la questione della creatività, direi che entrambi i metodi hanno vantaggi e svantaggi. Comporre con una DAW mi dà l’opportunità di sperimentare nuovi suoni e la possibilità di avere tra le dita un’orchestra, ma, a volte, mi ritrovo a provare un sacco di cose che mi fanno perdere tempo prezioso. Quando compongo al pianoforte, con carta e matita, mi concentro solo sul pianoforte, ma questo può anche limitare la tavolozza sonora che sto cercando.
Conosce la violoncellista Guilhermina Suggia? Qual è la sua opinione su questo importante violoncellista, figura di spicco della musica internazionale del periodo?
Ricordo che una volta, durante una lezione di Storia della musica al Conservatorio, il suo nome fu menzionato come uno dei più grandi violoncellisti del suo tempo. Ho letto che Suggia e Pablo Casals (con cui ha studiato) erano considerati i migliori violoncellisti del loro tempo. È un bel risultato! Sfortunatamente, non ci sono quasi registrazioni del suo modo di suonare e forse a causa di ciò la maggior parte dei portoghesi (incluso me!) non sanno molto del suo lavoro.
Solo se è possible chiederlo: a cosa sta lavorando ora e quali sono i suoi progetti futuri come compositore?
In questo momento, sto finendo l’orchestrazione di un pezzo sinfonico di 13 minuti che farà parte del mio nuovo album. Questo album sarà più vario dal punto di vista strumentale rispetto al precedente, poiché conterrà anche brani scritti per orchestra, oltre al pianoforte e al quintetto con pianoforte. Avevo in programma di pubblicare l’album alla fine di quest’anno ma, nel frattempo, ho iniziato a scrivere la colonna sonora per un film. Il regista del film, Miguel Gaudêncio, mi ha chiesto una colonna sonora puramente orchestrale, con anche un coro, quindi è per me un grande piacere scrivere.
Il film dovrebbe essere presentato in anteprima a dicembre 2022. Vediamo se le riprese non subiranno ulteriori ritardi causati dalla situazione pandemica!
Vorrei anche avere il tempo di finire un quartetto d’archi che ho iniziato a scrivere qualche tempo fa (il primo e il secondo movimento sono già finiti).
Caro Maestro Bruno Miranda, un sentito ringraziamento per la sua disponibilità a questa intervista. A lei un augurio per un futuro ricco di successi professionali ma anche per tutti gli altri aspetti della sua vita.
Grazie per questa opportunità di parlare della mia musica! È stato un vero piacere!

Gentile Maestro Francisco Gonzales buongiorno e grazie per avere accettato di rispondere alle domande di questa intervista.
Ci parla degli inizi? Dove è nato? Nella sua famiglia vi erano musicisti od appassionati di musica?
Sono nato e cresciuto a Città del Messico. Mia madre era un’infermiera e mio padre un violinista: ha lavorato 35 anni nell’Orchestra del Teatro di Belle Arti. Era anche un liutaio, quindi sin da piccolo ho vissuto in un ambiente tra musica, musicisti e strumenti. Ho iniziato i miei studi di violoncello al Conservatorio Nazionale del Messico e ho iniziato a lavorare con mio padre restaurando strumenti, e sotto la sua direzione ho realizzato due viole e un violoncello. Volevo andare a Cremona e ho ricevuto una borsa di studio dal mio paese per studiare liuteria e continuare i miei studi di violoncello.
Dove si è preparato e dove ha studiato? Con quali maestri?
Perché è stato così importante la sua vicinanza al Maestro Lucchi? Cosa ha ereditato da questo suo insegnante ed amico?
Quando sono arrivato a Cremona, volendo continuare con lo studio del violoncello, ho capito che non potevo frequentare contemporaneamente la Scuola di Liuteria. Così mi sono iscritto al corso di Giovanni Lucchi per imparare a costruire archi. All’inizio ero un po’ frustrato perché volevo conoscere il suono degli strumenti, ma presto ho scoperto che il suono dipende dall’arco. E da allora sono stato felice di studiare e lavorare come archettaio. Oggi provo una passione totale per l’arco. Terminati gli studi, ho lavorato per un po’ di tempo per il mio maestro Giovanni Lucchi. Mi ha accolto a braccia aperte sia nella sua Scuola che nel suo laboratorio ed ha sempre dimostrato il suo sostegno alla mia curiosità ed al mio interesse. Abbiamo avuto un rapporto molto stretto, prima come insegnante-studente e poi come colleghi fino alla sua morte, avvenuta nel 2012. Devo a Lui molto di quello che so come archettaio, ovviamente. Anche dopo che mi sono stabilito a Madrid, ho continuato ad andare a Cremona, ogni anno, per vedere il mio insegnante e continuare ad imparare e scambiare conoscenze: questo fino alla sua morte. Ho restaurato una collezione di archi a Sion, in Svizzera, dove ho imparato molto sull’arco. Mi sono esibito anche alla Triennale di Cremona nel 1982.
Cosa offre il suo laboratorio? Quali competenze e servizi e dove si trova?
Lei è anche esperto di valutazioni. Quali competenze sono richieste nell’esercizio di questa professione?
Mi sono stabilito a Madrid costruendo e riparando archi nel 1983, prima a casa e poi realizzando un laboratorio, vicino al Teatro Real, nel centro di Madrid. Faccio creazioni e riparazioni, restauro e vendo archi antichi e costruisco archi per tutti e quattro gli strumenti a corda. Ho molte conoscenze sugli strumenti, ma non sono un esperto, la mia specialità è l’arco. Se occorre faccio anche i lavori sui sui violoncelli che molti clienti mi chiedono. Dato che inizialmente ho iniziato come liutaio e sono anche un violoncellista, so di cosa ha bisogno il musicista.
Ovviamente, è necessaria la manualità per questo lavoro, un buon occhio per scoprire archi e strumenti buoni, un occhio inquieto che analizza ciò che vede, e una conoscenza di come il legno viene curato e selezionato per ogni arco. Inoltre, per me è importante amare la musica, sono un musicista, sono un violoncellista.
A quali associazioni di categoria e non solo appartiene?
Faccio parte dell’Associazione Spagnola di Archettai e Archettai Professionisti (AELAP) sin dalla sua fondazione, della Corporazione dei Vari Mestieri della Comunità di Madrid, delll’Associazione INSTRUMENTA per la Collezione e la Conservazione di Strumenti Musicali in Spagna. Dal 2002 faccio parte anche dell’Ente Internationale de Maitres Luthiers et Archetiers d’Art (EILA), Ente che ogni due anni tiene un congresso che mi permette di imparare molto ed incontrare molti dei miei colleghi.
Quali titoli ed onorificenze le sono stati assegnati?
Ho ricevuto un Diploma di “Artigiano Tradizionale Madrileño” nel 2004, rilasciato dal Comune di Madrid e dalla Camera di Commercio; la “Carta de Empresa Artesana” di Madrid, il “Diploma Finalista del Premio Nazionale dell’Artigianato” nel 2007, assegnato dal Ministero dell’Industria, del Commercio e del Turismo; il Premio per “Artigiano Madrileño tradizionale” nel 2013 concesso dalla Comunità di Madrid nel 2014.
Ci parla del suo Decalogo di Eccellenza? In dieci punti lei descrive l’arte dell’archettaio in modo completo e altamente professionale.
Sul mio sito, nella presentazione, ci sono i dieci punti del mio Decalogo di Eccellenza che riassumo. Un buon lavoro artigianale è fatto a mano per la maggior parte, creato con le regole dell’arte. C’è un certo autore che ci mette in contatto con valori storici, sociali e artistici. Il talento dell’artigiano gli conferisce creatività e abilità, richiede la conoscenza dei materiali, delle tecniche, delle norme e delle regole del mestiere e della loro applicazione, per questo ha bisogno di un apprendistato. Inoltre, dobbiamo generare nuove idee, innovare e rispondere alle esigenze e ai gusti attuali dei musicisti, ma senza dimenticare la tradizione, perché rimane viva e ci porta nel futuro. Ogni arco è diverso e l’originalità è un punto di equilibrio tra il vecchio e il nuovo, applicando tecniche secolari per creare qualcosa di fresco e unico, che deve anche funzionare perfettamente. Il musicista lega il suo strumento e il suo arco con il creatore e con materiali provenienti da risorse naturali, rendendoli più belli e preziosi. L’artigiano nel suo laboratorio utilizza tutta la sua conoscenza della tradizione e del sapere, trasmessa di generazione in generazione, fornendo la continuità di un patrimonio professionale. L’artigiano richiede conoscenza, formazione e padronanza del mestiere e tutti gli strumenti per esercitare la sua professione e creare qualcosa di utile, che funzioni e che allo stesso tempo sia buono e bello.
Oltre che archettaio Lei è violoncellista: per questa arte dove si è preparato e quali insegnanti ha avuto?
Sì, sono anche violoncellista, ho suonato temporaneamente in varie orchestre, ma insegno da 34 anni. In Messico ho ascoltato le sonate per viola da gamba di Bach del professor Marçal Cervera e poco dopo è stato il mio insegnante a Friburgo, in Germania. Quando sono arrivata a Cremona, non c’era un maestro di violoncello per il mio livello e un maestro mi ha consigliato al Sig. Cervera che è morto solo un anno fa e con il quale io e la mia famiglia abbiamo anche avuto un’amicizia molto stretta da molti anni. Mi ha consigliato di continuare i miei studi di violoncello al Conservatorio Superior de Música de Madrid, dove mi sono diplomato. Ho frequentato numerosi corsi internazionali in Francia, ad Alcalá de Henares, a Santiago de Compostela… con diversi insegnanti.
Lei tiene molti corsi specialmente nelle scuole: ci ricorda i suoi interventi più prestigiosi o degni di nota? Per Lei è importante trasmettere agli studenti i principi della professionalità ma anche la passione per questa arte?
In realtà vorrei tenere lezioni sugli archetti in Università, Corsi Estivi, Conservatori e Scuole di Musica, sia in Spagna che in Messico. Si sa molto poco sugli archetti, che in realtà sono la voce dello strumento: senza arco il suono è piccolo e povero. Tutti i musicisti vorrebbero avere uno Stradivari, ma quello che si muove, quello che scorre, quello che dà i colori della musica è l’arco, è lo strumento perfetto, per questo si tiene con la mano destra. È più difficile studiare la tecnica dell’arco che quella dello strumento. Suonare lo strumento con un buon arco permette di ottenere il meglio dallo strumento, inoltre consente di risparmiare fatica e tempo, come ogni buon strumento che semplifica il lavoro. Pablo Casals ha già detto che “l’arco è l’estensione del braccio”.
Mi piace veramente tenere conferenze di tipo didattico perché si instaura un dialogo diretto con gli studenti, con i genitori e gli insegnanti che partecipano. Mi è piaciuto molto presentare le mie lezioni al Conservatorio Nazionale del Messico dove ho studiato, e alla Higher School of UNAM, nonché all’Higher Institute of Music di Puebla, frequentato da circa 500 bambini, quelli che stanno iniziando a studiare musica o che hanno terminato gli studi superiori all’Università di Aguascalientes, ai Conservatori di Musica di Madrid, a Toledo, Ávila, Mérida, Cuenca, Ciudad Real, Salamanca, Valladolid, Alcalá de Henares. Durante il Concorso di violino Sarasate a Pamplona, i bambini sono spesso estremamente curiosi, e quando vengono mostrati su una diapositiva l’albero da cui si riprende il Pernambuco in Brasile, o l’albero di ebano in Africa, o le zanne di mammut in Siberia e le criniere di equiseti in Mongolia, i loro occhi sono spalancati di ammirazione. Si rendono conto che siamo in un mondo globale e che, in un semplice arco, sono contenuti i materiali dei cinque continenti. Questo è affascinante per bambini e giovani. È anche infondere valori, rispetto e amore per la Natura che ci offre tutto ciò di cui abbiamo bisogno e di cui dobbiamo prenderci cura.
In molti musei sono presenti i suoi archetti e molti importanti musicisti utilizzano le sue opere: ci ricorda di entrambi alcune esempi?
Ci sono diversi conservatori che hanno i miei archi, ad esempio, nel Museo del Real Conservatorio Superiore di Madrid, ma anche altri conservatori hanno acquistato i miei archi, ora è molto difficile a causa della situazione economica. Anche l’Orchestra Nazionale di Spagna ha un quartetto dei miei archi e molti studenti e professionisti hanno i miei archi in Spagna, Portogallo, Stati Uniti, Messico, Corea, Francia e recentemente a Berlino. Ma sono nato e rimango un artigiano quindi non costruisco archetti in serie.
Numerosi anche i premi: ci ricorda quelli, tra gli altri, che le hanno determinato una grande soddisfazione?
Bene, ho già commentato i premi e i riconoscimenti ricevuti. Sono stato particolarmente gratificato dal Diploma di “Artigiano Tradizionale Madrileño” nel 2004 concesso dal Comune di Madrid e dalla Camera di Commercio, perché mi hanno anche chiesto un discorso che dovevo tenere davanti a molti rappresentanti degli artigiani e delle autorità: ho difeso il lavoro artigianale e il lavoro artigiano come unico, personale e di qualità. Chiedevo più attenzione e protezione per il lavoro artigianale, che è anche patrimonio di un popolo e di un paese. Sono stato anche felicissimo del “Diploma Finalista del Premio Nazionale dell’Artigianato” nel 2007, assegnato dal Ministero dell’Industria, Commercio e Turismo. Non sono stato il vincitore, ma un finalista, perché è difficile competere con gioielli e opere artigianali così buone che sono ancora in Spagna.
Oltre alle sue già citate attività, Lei ha anche curato alcune pubblicazioni. Quali sono gli argomenti  che ha trattato?
Non ho ancora pubblicato libri, ma solo alcuni articoli su riviste specializzate come, ad esempio, quello dello scorso anno in Scherzo nº 353, luglio 2019 sui materiali dell’arco, ed anche in TLM All Music nell’aprile 2019 sull’importanza dell’arco per gli strumenti a corda. Inoltre molti anni fa hanno pubblicato interviste a me dedicate nel Diario de Soria, Diario de Cuenca, Twelve Notes.
Il 24 Settembre 2012 Lei è stato protagonista di un avvenimento molto importante: la presentazione del violoncello Stradivari restaurato e proprio a Lei è stato chiesto di essere il primo violoncellista a suonarlo, in quella occasione. Ci parla di questo evento così importante? Quale è l’emozione di suonare uno strumento che appartiene alla storia della liuteria e della musica?
La verità è che mi hanno chiesto di suonare l’ornato violoncello Stradivari del quartetto palatino da poco restaurato, tuttavia io all’inizio non volevo suonarlo per quella presentazione, davanti a molti giornalisti nazionali e internazionali invitati, ritenendo altri violoncellisti solisti più titolati di me. In realtà, hanno voluto darmi quel premio perché ho seguito l’intero processo di restauro, già dalla prima valutazione del danno allo strumento, al Palazzo Reale di Madrid, per quella che sembrava inizialmente un’autentica tragedia. Per fortuna ho potuto rassicurarli quando ho detto loro che il violoncello era perfetto e che il manico rotto, per fortuna, poteva essere riparato e non era nemmeno l’originale. È stato molto emozionante suonare quello strumento, ovviamente, soprattutto davanti alla stampa internazionale, ed infatti è stata una notizia apparsa su tutte le testate nazionali e internazionali, oltre che su diverse reti televisive. Vederlo con il manico diviso è stata un’esperienza molto forte, il violoncello era bellissimo. In seguito, già restaurato da Carlos Arcieri, uno dei migliori restauratori del mondo, ha cominciato a suonare meglio come non mai. È stata un’esperienza molto eccitante, perché era uno Stradivari speciale, l’unico ornato che il grande liutaio italiano ha costruito più di 300 anni fa e con quel suono meraviglioso e pieno. Quello strumento, così come l’intero quartetto più un altro violoncello Stradivari che si trova nel Palazzo Reale di Madrid, sono patrimonio della Spagna, ma anche dei musicisti e di tutto il mondo. Devono essere molto ben curati e conservati in modo che rimangano con noi per i prossimi secoli.
Come osservatore ed interprete privilegiato della musica nel suo paese, cosa può dirci della diffusione della musica classica in Spagna? Che peso ha questa disciplina nella cultura del paese, musicale e non solo?
Riguardo la diffusione della musica classica in Spagna, ebbene posso dire che ci sono ottimi programmi di musica classica alla radio, anche se sempre meno, ma purtroppo in televisione c’è davvero poca diffusione. Notizie essenziali solo quando la stagione lirica o uno spettacolo, al sabato mattina alle 8.30. Ogni giorno alla fine del telegiornale delle 15:00 sulla televisione spagnola danno notizie su un festival o informazioni su una produzione discografica, ma per la musica classica poco spazio. Non si capisce, la musica è patrimonio europeo e di ogni paese, si investe molto nella formazione di musicisti, c’è davvero molto talento, eppure non si diffonde. I bambini ed i giovani non sono istruiti: molti conoscono alcuni argomenti musicali solo attraverso la pubblicità e gli spots. Non voglio disprezzare cantanti e musicisti di alcun genere attuale, ma la musica classica è sottovalutata, giorno per giorno.
Quale è la diffusione e l’importanza dello strumento violoncello nel suo paese? Quale tradizione ha ereditato e quanto è presente nelle scuole, nei teatri e nella diffusione nei giovani?
In Spagna c’è un’ottima scuola di violoncello, di Casadó, Pablo Casals. Ci sono ottimi violoncellisti e di molto talento, ma poche opportunità. Ogni anno tanti giovani lasciano i Conservatori Superiori, per orientarsi verso master in Spagna o all’estero, e poi cercano un ingaggio in un’orchestra o come insegnante, e questo è reso ancora più difficile soprattutto in questi tempi di pandemia. Ora tutto sembra incerto e l’economia ne risente non poco. Ci sono pochi concerti, anche se la musica è fortunatamente presente in ogni momento della nostra vita.
Vorrei incoraggiare i musicisti ad acquistare anche strumenti e archi moderni. Oggi si costruisce anche meglio di prima perché ci sono ottimi strumenti e tanto talento. Ci sono molte persone che suonano con strumenti moderni di alta qualità e sono molto felici, ci sono giovani liutai che lavorano molto bene e hanno bisogno della fiducia dei musicisti per svilupparsi, evolversi e vivere, proprio come gli strumenti a corda, proprio come i musicisti. Mia figlia Cecilia González Gutiérrez, diplomata al Newark College, School of Violin Making and Repair (Regno Unito), con voti molto alti, continuerà la saga di terza generazione. Per ora vive a Berlino.
Gentile Maestro Gonzales ancora grazie. A lei ogni augurio per la sua carriera professionale e per ogni altro aspetto della sua vita.

 

Il 22 ottobre 1973, muore a San Juan il violoncellista e compositore Pau Casals. MyCello lo ricorda proponendo l’ascolto del suo Song of the Birds.