ACCADDE OGGI - Il 21 giugno 1893, nasce a Vizovice il compositore Alois Hába

Julia Kent


Ben trovata Julia Kent, voglio ringraziarti per aver accettato questa intervista. Ecco alcune domande che potranno presentarti come violoncellista e come compositrice ai nostri lettori.

Come e quando nasce la tua passione per il violoncello? Vieni da una famiglia in cui vi erano musicisti o amanti della musica? O nella tua famiglia vi erano anche altri tipi di artisti o professionisti intellettuali?
Grazie mille per l’invito. Sono molto felice di essere presentata ai tuoi lettori! Vengo da una famiglia di musicisti: mia madre era un’affermata violinista dilettante e mia sorella una violinista professionista, che si è esibita per anni a Londra con un gruppo da camera. Mio padre era un fotografo. I miei genitori hanno sempre affermato che ho scelto il violoncello ma, dato che ho iniziato intorno ai sei anni, sospetto che ci fosse un po’ di influenza genitoriale!

Raccontaci la tua formazione come musicista: dove hai studiato e quali sono stati i tuoi insegnanti, almeno quelli più rappresentativi.
Ho studiato all’Università della British Columbia per circa un anno con Eric Wilson, e poi mi sono trasferito all’Università dell’Indiana, a Bloomington, dove ho studiato con Helga Winold: entrambi insegnanti molto stimolanti!

Quale è il tuo “backround” musicale? Quali sono le tue fonti di ispirazione e a quali arti ti riferisci per poi esprimere le tue idee musicali?
Il mio background musicale è piuttosto eclettico. Ovviamente vengo dal mondo classico ma, dopo essermi trasferita a New York, mi sono interessata al tipo di musica che si ascoltava, in quel momento, nel centro di Manhattan. Fortunatamente, è stato un periodo davvero interessante per la musica! Ora, trovo ispirazione da molte fonti diverse: arte visiva, natura, idee che si collegano alla condizione umana e il mio mondo emotivo interiore.

Che violoncello usi? O forse usi strumenti diversi secondo il tipo di musica che interpreti?
Ho diversi violoncelli abbastanza diversi. Per la registrazione, utilizzo un violoncello del liutaio contemporaneo Robert Brewer Young. Per i tour, utilizzo un violoncello in fibra di carbonio realizzato da Luis e Clark. È molto resistente ai cambiamenti di umidità, quindi è ottimo per gli spettacoli all’aperto ed è anche più facile viaggiare. Ho anche un bellissimo, non identificato, vecchio violoncello che è stato il mio strumento mentre studiavo e, per me, è intriso di tutte le emozioni e i sogni di quel periodo. E ho un violoncello elettrico, che devo dire è un po’ meno interessante da suonare, perché ti mancano tutte le vibrazioni dello strumento.

Anagraficamente nasci a Vancouver (Canada) ma ora lavori nella Big Apple (New York): certamente queste due città, così diverse, hanno caratterizzato le tue scelte artistiche di musicista e di compositrice. Vuoi raccontarci le diverse influenze di queste due, credo antitetiche, culture geografiche?
Per me Vancouver è davvero una città della natura: è così collegata al mare e alle montagne. Il paesaggio è sempre un’ispirazione. E il senso di apertura che deriva dall’essere sul mare. New York, ovviamente, è un denso agglomerato urbano con un’energia molto speciale. Sembra anche una città molto aperta, ma in un modo diverso. Ho tanti ricordi e geografie emozionali legate ad entrambe le città: fanno parte della mia storia. Ma mi sembra che tu possa ricordare una città, ma la città non si ricorda necessariamente di te.

Nella tua vita di artista, finora, 6 cd: vuoi brevemente presentarli in modo sintetico, magari, invece, soffermandoci di più sul tuo ultimo lavoro “Temporal”?
Ogni mio disco ha ruotato attorno a un concetto: Delay, quello di incontrare gli aeroporti come spazi liminali; Green and Grey, alla ricerca dei modelli della natura; Character, estrazione di un mondo emotivo interiore; Asperities, avvicinandosi ai conflitti del mondo naturale come metafora del personale; e Temporal, che presenta la musica che ho realizzato per la danza e il teatro ed esplora l’effimero dell’arte basata sul tempo. Sento che Temporal è leggermente diverso dagli altri miei dischi, poiché la maggior parte dei pezzi sono stati ispirati da testi teatrali o concetti coreografici e quindi sembra più esteriore rispetto ad altri miei lavori.

Rasputina and Antony and the Johnson: sono due collaborazioni di qualche tempo fa. Che tipo di esperienze musicali sono state? Cosa hanno rappresentato per te?
Entrambe sono state formative per la mia carriera musicale. Rasputina, perché, in un certo senso, ha iniziato il mio rapporto con la tecnologia, in termini di capire l’amplificazione e lavorare con i pedali. E anche perché abbiamo fatto così tanti tour e creato dei ricordi indelebili! E Antony and the Johnsons, perché Antony è un artista musicale unico dal quale ho imparato molto. Come gruppo, abbiamo fatto degli spettacoli molto speciali insieme e, penso, siamo cresciuti insieme in un modo bellissimo.

Sei venuta anche in Italia, in diverse occasioni.Quale è il tuo rapporto con il nostro paese e con la nostra musica in modo più specifico?
Sono così fortunata a venire spesso in Italia! Mi sento come se il pubblico in Italia fosse davvero speciale in termini di ricettività e nel modo in cui si possono creare connessioni emotive, sia sul palco che fuori. E, naturalmente, i luoghi sono sempre di una bellezza spettacolare. L’ampiezza della musica italiana, dal Rinascimento e Barocco attraverso l’opera del 18° e 19° secolo fino all’avanguardia, al minimalismo e al pop, è davvero stimolante. E ci sono così tanti violoncellisti italiani straordinari, sia storici che contemporanei!

Tour: veramente numerose le tue presenze nei principali paesi. Ci parli delle esperienze più significative?
Sono stata dappertutto, a suonare, e sento che è sempre così speciale venire in un paese come artista: sei molto privilegiata in termini di modo in cui puoi entrare in contatto con le persone. Le esperienze più importanti, per me, hanno riguardato suonare in luoghi in cui hai un’idea di tutti gli artisti che hanno abitato il palco prima di te e hanno lasciato lì parte della loro energia, che si tratti di un minuscolo scrigno di gioielli, di un teatro storico o di uno grande e moderno. O suonare all’aperto, nella natura, che può quasi creare una collaborazione tra la musica e i suoni ambientali. E ovviamente ho molte storie di tour, che probabilmente non dovrei raccontare qui!

Dal vivo, sul palco suoni a piedi scalzi: che cosa significa o rappresenta o quale chance ti permette nella tua espressività?
Suono a piedi nudi perché uso un controller MIDI che è sensibile alla velocità e alla pressione, quindi mi dà solo un migliore controllo sui piccoli movimenti. Coordinare il mio piede e le mie mani è un po’ come una coreografia sul palco. Mi piace anche il senso di radicamento che mi dà suonare a piedi nudi. E di recente ho trovato una foto di me, all’età di otto anni o giù di lì, mentre suono il violoncello senza scarpe, quindi ovviamente è stato qualcosa che è iniziato giovane!

Teatro: in Italia hai suonato a Torino per Mamma Schiavona, di Giordano Amato. Come si relaziona un musicista compositore con la parola e la scena dal vivo su un palco? Ci ricordi poi, alcune altre partecipazioni teatrali importanti?
Ho fatto musica per alcune produzioni di Giordano Amato: è uno scrittore e regista molto interessante. Amo lavorare con il teatro. È davvero un processo e il modo in cui le cose si evolvono in termini di testo, fisicità sul palco, comunicazione tra artisti e il modo in cui la musica può supportarlo, è affascinante. Più di recente, ho composto musica per una produzione per il Royal Dramatic Theatre di Stoccolma: una rivisitazione di “Alkestis” di Euripide del regista greco Elli Papakonstantinou. La musica che ho fatto variava dalla techno alle voci a cappella, e si è evoluta molto durante il periodo delle prove, quindi è stato un processo creativo superinteressante.

Danza: da Inner Space a 5 for Silver. Corpo, movimento, coreografia e musica. Quale è il legame tra questi elementi?
Mi piace anche lavorare con la danza. L’energia che i ballerini creano sul palco è quasi come un sistema meteorologico: senti il loro respiro, l’aria che muovono, il calore dei loro corpi. Esibirsi sul palco con i ballerini è il modo migliore per comunicare senza parole: c’è una sorta di scambio che può avvenire solo quando il movimento incontra la musica.

Film e musica: agli esordi i film erano muti, accompagnati solo da un pianoforte e dal vivo. Ora tutto è ovviamente diverso, ma in che modo? Hai partecipato a molte esperienze cinematografiche: vuoi ricordarci almeno alcune, le più importanti, e con quali significati nella tua carriera ed evoluzione di musicista.
A questo punto ho fatto un po’ di colonne sonore di film e sono sempre interessata a fare di più. Ogni volta è diverso, a seconda della visione del regista. Sento che la musica per i film deve sempre supportare il mondo emotivo che vediamo sullo schermo e completare il ritmo delle immagini e della sceneggiatura. Più di recente, ho realizzato un bellissimo documentario intitolato “Storie dal mare”, sulle donne nel Mediterraneo: tre storie molto diverse legate dal fatto di essere sul mare. E in questo momento sto lavorando a un film che è una sorta di thriller metafisico, con una sceneggiatura complessa e stratificata: è emozionante vedere come si sta evolvendo durante il processo di montaggio.

In modo specificatamente pragmatico: utilizzi per scrivere la tua musica il violoncello e poi carta e matita o ti servi di quanto più moderno oggi offre la tecnologia? Vuoi descriverci la tua tecnica di compositrice di musica?
Per le esibizioni dal vivo, utilizzo un software chiamato Sooperlooper per eseguire il live-loop del violoncello e Ableton Live per creare trame elettroniche e percussive, oltre a un controller MIDI chiamato Softstep. Tutto parte dal violoncello, che per me è fondamentale. E per registrare, ricreo il processo di loop in Pro Tools e sono più libera nel modo in cui posso usare l’elettronica. È sempre una sfida creare qualcosa in studio e poi farlo funzionare per le esibizioni dal vivo, o viceversa. E, naturalmente, la tecnologia è in continua evoluzione e questo crea una curva di apprendimento. Ma trovo che la tecnologia sia uno strumento inestimabile, soprattutto come solista. Mi permette di creare un intero ensemble da un singolo strumento e di trovare i colori e le trame musicali per creare la musica che sento nella mia mente.

Quali saranno i tuoi prossimi impegni, cosa hai scritto nel prossimo pagine della tua agenda?. Sei negli studi di registrazione per un nuovo album?. Ti aspettano altri tour o altre collaborazioni?
Sto per andare in Spagna per uno spettacolo chiamato La fine del mondo“, con il pianista ucraino-canadese Lubomyr Melnyk e un collettivo multimediale di Torino chiamato Spime.im. Si basa sulla straordinaria musica per pianoforte di Lubomyr e sulla spettacolare grafica e musica elettronica di Spime.im. Abbiamo qualche altro spettacolo europeo in lavorazione. Ho in programma alcune mostre personali, e anche collaborative, inclusa una performance con il Balletto del Teatro di Torino. E mi sto riconnettendo con una band straordinaria con cui ho suonato qualche tempo fa, i Burnt Sugar. È un collettivo di incredibili improvvisatori. La prossima settimana faremo un seminario e un concerto alla Carnegie Hall. Per quanto riguarda un nuovo disco, ho delle idee e del materiale musicale, quindi vedremo!

Gentile Julia Kent: grazie per la tua disponibilità nel rispondere alle nostre domande. A te ogni migliore augurio per la tua professione di musicista, ma anche per ogni altro aspetto della tua vita.
Grazie per i tuoi auguri e grazie mille per le domande davvero premurose e belle! Significa molto per me che un sito web incentrato sul violoncello sia interessato al mio lavoro: mi fa sentire parte di una comunità più ampia e parte di una tradizione storica così nutriente e importante.

27 marzo 2022

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