Ben trovata Julia Kent, voglio ringraziarti per aver accettato questa intervista. Ecco alcune domande che potranno presentarti come violoncellista e come compositrice ai nostri lettori.

Come e quando nasce la tua passione per il violoncello? Vieni da una famiglia in cui vi erano musicisti o amanti della musica? O nella tua famiglia vi erano anche altri tipi di artisti o professionisti intellettuali?
Grazie mille per l’invito. Sono molto felice di essere presentata ai tuoi lettori! Vengo da una famiglia di musicisti: mia madre era un’affermata violinista dilettante e mia sorella una violinista professionista, che si è esibita per anni a Londra con un gruppo da camera. Mio padre era un fotografo. I miei genitori hanno sempre affermato che ho scelto il violoncello ma, dato che ho iniziato intorno ai sei anni, sospetto che ci fosse un po’ di influenza genitoriale!

Raccontaci la tua formazione come musicista: dove hai studiato e quali sono stati i tuoi insegnanti, almeno quelli più rappresentativi.
Ho studiato all’Università della British Columbia per circa un anno con Eric Wilson, e poi mi sono trasferito all’Università dell’Indiana, a Bloomington, dove ho studiato con Helga Winold: entrambi insegnanti molto stimolanti!

Quale è il tuo “backround” musicale? Quali sono le tue fonti di ispirazione e a quali arti ti riferisci per poi esprimere le tue idee musicali?
Il mio background musicale è piuttosto eclettico. Ovviamente vengo dal mondo classico ma, dopo essermi trasferita a New York, mi sono interessata al tipo di musica che si ascoltava, in quel momento, nel centro di Manhattan. Fortunatamente, è stato un periodo davvero interessante per la musica! Ora, trovo ispirazione da molte fonti diverse: arte visiva, natura, idee che si collegano alla condizione umana e il mio mondo emotivo interiore.

Che violoncello usi? O forse usi strumenti diversi secondo il tipo di musica che interpreti?
Ho diversi violoncelli abbastanza diversi. Per la registrazione, utilizzo un violoncello del liutaio contemporaneo Robert Brewer Young. Per i tour, utilizzo un violoncello in fibra di carbonio realizzato da Luis e Clark. È molto resistente ai cambiamenti di umidità, quindi è ottimo per gli spettacoli all’aperto ed è anche più facile viaggiare. Ho anche un bellissimo, non identificato, vecchio violoncello che è stato il mio strumento mentre studiavo e, per me, è intriso di tutte le emozioni e i sogni di quel periodo. E ho un violoncello elettrico, che devo dire è un po’ meno interessante da suonare, perché ti mancano tutte le vibrazioni dello strumento.

Anagraficamente nasci a Vancouver (Canada) ma ora lavori nella Big Apple (New York): certamente queste due città, così diverse, hanno caratterizzato le tue scelte artistiche di musicista e di compositrice. Vuoi raccontarci le diverse influenze di queste due, credo antitetiche, culture geografiche?
Per me Vancouver è davvero una città della natura: è così collegata al mare e alle montagne. Il paesaggio è sempre un’ispirazione. E il senso di apertura che deriva dall’essere sul mare. New York, ovviamente, è un denso agglomerato urbano con un’energia molto speciale. Sembra anche una città molto aperta, ma in un modo diverso. Ho tanti ricordi e geografie emozionali legate ad entrambe le città: fanno parte della mia storia. Ma mi sembra che tu possa ricordare una città, ma la città non si ricorda necessariamente di te.

Nella tua vita di artista, finora, 6 cd: vuoi brevemente presentarli in modo sintetico, magari, invece, soffermandoci di più sul tuo ultimo lavoro “Temporal”?
Ogni mio disco ha ruotato attorno a un concetto: Delay, quello di incontrare gli aeroporti come spazi liminali; Green and Grey, alla ricerca dei modelli della natura; Character, estrazione di un mondo emotivo interiore; Asperities, avvicinandosi ai conflitti del mondo naturale come metafora del personale; e Temporal, che presenta la musica che ho realizzato per la danza e il teatro ed esplora l’effimero dell’arte basata sul tempo. Sento che Temporal è leggermente diverso dagli altri miei dischi, poiché la maggior parte dei pezzi sono stati ispirati da testi teatrali o concetti coreografici e quindi sembra più esteriore rispetto ad altri miei lavori.

Rasputina and Antony and the Johnson: sono due collaborazioni di qualche tempo fa. Che tipo di esperienze musicali sono state? Cosa hanno rappresentato per te?
Entrambe sono state formative per la mia carriera musicale. Rasputina, perché, in un certo senso, ha iniziato il mio rapporto con la tecnologia, in termini di capire l’amplificazione e lavorare con i pedali. E anche perché abbiamo fatto così tanti tour e creato dei ricordi indelebili! E Antony and the Johnsons, perché Antony è un artista musicale unico dal quale ho imparato molto. Come gruppo, abbiamo fatto degli spettacoli molto speciali insieme e, penso, siamo cresciuti insieme in un modo bellissimo.

Sei venuta anche in Italia, in diverse occasioni.Quale è il tuo rapporto con il nostro paese e con la nostra musica in modo più specifico?
Sono così fortunata a venire spesso in Italia! Mi sento come se il pubblico in Italia fosse davvero speciale in termini di ricettività e nel modo in cui si possono creare connessioni emotive, sia sul palco che fuori. E, naturalmente, i luoghi sono sempre di una bellezza spettacolare. L’ampiezza della musica italiana, dal Rinascimento e Barocco attraverso l’opera del 18° e 19° secolo fino all’avanguardia, al minimalismo e al pop, è davvero stimolante. E ci sono così tanti violoncellisti italiani straordinari, sia storici che contemporanei!

Tour: veramente numerose le tue presenze nei principali paesi. Ci parli delle esperienze più significative?
Sono stata dappertutto, a suonare, e sento che è sempre così speciale venire in un paese come artista: sei molto privilegiata in termini di modo in cui puoi entrare in contatto con le persone. Le esperienze più importanti, per me, hanno riguardato suonare in luoghi in cui hai un’idea di tutti gli artisti che hanno abitato il palco prima di te e hanno lasciato lì parte della loro energia, che si tratti di un minuscolo scrigno di gioielli, di un teatro storico o di uno grande e moderno. O suonare all’aperto, nella natura, che può quasi creare una collaborazione tra la musica e i suoni ambientali. E ovviamente ho molte storie di tour, che probabilmente non dovrei raccontare qui!

Dal vivo, sul palco suoni a piedi scalzi: che cosa significa o rappresenta o quale chance ti permette nella tua espressività?
Suono a piedi nudi perché uso un controller MIDI che è sensibile alla velocità e alla pressione, quindi mi dà solo un migliore controllo sui piccoli movimenti. Coordinare il mio piede e le mie mani è un po’ come una coreografia sul palco. Mi piace anche il senso di radicamento che mi dà suonare a piedi nudi. E di recente ho trovato una foto di me, all’età di otto anni o giù di lì, mentre suono il violoncello senza scarpe, quindi ovviamente è stato qualcosa che è iniziato giovane!

Teatro: in Italia hai suonato a Torino per Mamma Schiavona, di Giordano Amato. Come si relaziona un musicista compositore con la parola e la scena dal vivo su un palco? Ci ricordi poi, alcune altre partecipazioni teatrali importanti?
Ho fatto musica per alcune produzioni di Giordano Amato: è uno scrittore e regista molto interessante. Amo lavorare con il teatro. È davvero un processo e il modo in cui le cose si evolvono in termini di testo, fisicità sul palco, comunicazione tra artisti e il modo in cui la musica può supportarlo, è affascinante. Più di recente, ho composto musica per una produzione per il Royal Dramatic Theatre di Stoccolma: una rivisitazione di “Alkestis” di Euripide del regista greco Elli Papakonstantinou. La musica che ho fatto variava dalla techno alle voci a cappella, e si è evoluta molto durante il periodo delle prove, quindi è stato un processo creativo superinteressante.

Danza: da Inner Space a 5 for Silver. Corpo, movimento, coreografia e musica. Quale è il legame tra questi elementi?
Mi piace anche lavorare con la danza. L’energia che i ballerini creano sul palco è quasi come un sistema meteorologico: senti il loro respiro, l’aria che muovono, il calore dei loro corpi. Esibirsi sul palco con i ballerini è il modo migliore per comunicare senza parole: c’è una sorta di scambio che può avvenire solo quando il movimento incontra la musica.

Film e musica: agli esordi i film erano muti, accompagnati solo da un pianoforte e dal vivo. Ora tutto è ovviamente diverso, ma in che modo? Hai partecipato a molte esperienze cinematografiche: vuoi ricordarci almeno alcune, le più importanti, e con quali significati nella tua carriera ed evoluzione di musicista.
A questo punto ho fatto un po’ di colonne sonore di film e sono sempre interessata a fare di più. Ogni volta è diverso, a seconda della visione del regista. Sento che la musica per i film deve sempre supportare il mondo emotivo che vediamo sullo schermo e completare il ritmo delle immagini e della sceneggiatura. Più di recente, ho realizzato un bellissimo documentario intitolato “Storie dal mare”, sulle donne nel Mediterraneo: tre storie molto diverse legate dal fatto di essere sul mare. E in questo momento sto lavorando a un film che è una sorta di thriller metafisico, con una sceneggiatura complessa e stratificata: è emozionante vedere come si sta evolvendo durante il processo di montaggio.

In modo specificatamente pragmatico: utilizzi per scrivere la tua musica il violoncello e poi carta e matita o ti servi di quanto più moderno oggi offre la tecnologia? Vuoi descriverci la tua tecnica di compositrice di musica?
Per le esibizioni dal vivo, utilizzo un software chiamato Sooperlooper per eseguire il live-loop del violoncello e Ableton Live per creare trame elettroniche e percussive, oltre a un controller MIDI chiamato Softstep. Tutto parte dal violoncello, che per me è fondamentale. E per registrare, ricreo il processo di loop in Pro Tools e sono più libera nel modo in cui posso usare l’elettronica. È sempre una sfida creare qualcosa in studio e poi farlo funzionare per le esibizioni dal vivo, o viceversa. E, naturalmente, la tecnologia è in continua evoluzione e questo crea una curva di apprendimento. Ma trovo che la tecnologia sia uno strumento inestimabile, soprattutto come solista. Mi permette di creare un intero ensemble da un singolo strumento e di trovare i colori e le trame musicali per creare la musica che sento nella mia mente.

Quali saranno i tuoi prossimi impegni, cosa hai scritto nel prossimo pagine della tua agenda?. Sei negli studi di registrazione per un nuovo album?. Ti aspettano altri tour o altre collaborazioni?
Sto per andare in Spagna per uno spettacolo chiamato “La fine del mondo“, con il pianista ucraino-canadese Lubomyr Melnyk e un collettivo multimediale di Torino chiamato Spime.im. Si basa sulla straordinaria musica per pianoforte di Lubomyr e sulla spettacolare grafica e musica elettronica di Spime.im. Abbiamo qualche altro spettacolo europeo in lavorazione. Ho in programma alcune mostre personali, e anche collaborative, inclusa una performance con il Balletto del Teatro di Torino. E mi sto riconnettendo con una band straordinaria con cui ho suonato qualche tempo fa, i Burnt Sugar. È un collettivo di incredibili improvvisatori. La prossima settimana faremo un seminario e un concerto alla Carnegie Hall. Per quanto riguarda un nuovo disco, ho delle idee e del materiale musicale, quindi vedremo!

Gentile Julia Kent: grazie per la tua disponibilità nel rispondere alle nostre domande. A te ogni migliore augurio per la tua professione di musicista, ma anche per ogni altro aspetto della tua vita.
Grazie per i tuoi auguri e grazie mille per le domande davvero premurose e belle! Significa molto per me che un sito web incentrato sul violoncello sia interessato al mio lavoro: mi fa sentire parte di una comunità più ampia e parte di una tradizione storica così nutriente e importante.

27 marzo 2022

Alla vigilia dell’8 gennaio 2022, bicentenario della nascita del violoncellista Alfredo Piatti, Andrea Bergamelli accetta volentieri di rispondere a qualche mia domanda, per presentarsi, e per presentare l’Associazione Alfredo Piatti, di cui è direttore artistico.
Quali sono state le tappe più significative della tua formazione artistica? 
Certamente, la mia formazione artistica nasce in famiglia. Mio padre, Attilio Bergamelli, è un pianista molto attivo non solo nell’ambito della musica da camera, ma anche nell’organizzazione di concerti, e sono quindi cresciuto sempre a contatto con la musica e i musicisti. Credo di aver ereditato da lui, oltre ad una grande passione per la musica, due obiettivi: scoprire il repertorio meno conosciuto e valorizzare i giovani musicisti. Mio padre ha infatti fondato l’Associazione “Musica Rara” ed ha sempre promosso stagioni che avessero come obiettivo quello di dare spazio ai giovani interpreti. Dopo qualche incertezza iniziale su quale fosse lo strumento più adatto a me, ho scelto il violoncello ed ho iniziato gli studi nel Conservatorio di Bergamo. Ben presto, però, mi sono trasferito a Budapest, dove ho studiato all’Accademia “Franz Liszt” con Csaba Onczay. Al mio rientro in Italia, ho conseguito il diploma da privatista sotto la guida di Giovanni Sollima, e mi sono poi perfezionato con Mario Brunello, Antonio Meneses e il Trio di Trieste. Penso che un’esperienza particolarmente significativa per me, sia dal punto di vista umano che dal punto di vista professionale, sia stata quella con la Gustav Mahler Jugendorchester, ma è stato certamente molto importante anche avere l’occasione di collaborare non solo con Giovanni Sollima, ma anche con altri grandi interpreti, come Jörg Demus, Antony Pay, Bruno Canino, Calogero Palermo, Dimitri Ashkenazy

Quando è nato il tuo interesse in particolare per Alfredo Piatti? E quali sono state le tappe che hanno portato alla creazione dell’Associazione Alfredo Piatti?
Per qualsiasi musicista che viva a Bergamo, la Sala Piatti è uno spazio particolarmente significativo: uno spazio dove si suona, ma anche uno spazio di incontro, dove si intrecciano con facilità legami di amicizia con altri musicisti. Credo che tutti i musicisti di Bergamo abbiano bellissimi ricordi di gioventù legati a questa sala: i primi saggi, i primi concerti, i primi amici… Per un violoncellista, poi, suonare sotto lo sguardo vigile di Alfredo Piatti, serio e benevolo nel suo ritratto, diventa un’esperienza ancora più preziosa. Ovviamente, anch’io, come tutti i violoncellisti, ho conosciuto le  composizioni di Piatti partendo dai 12 Capricci ma, ben presto, mi sono dedicato anche alla scoperta delle altre sue composizioni. Un compito facile per me, perchè quasi tutte le composizioni di Piatti sono conservate a Bergamo, nel Fondo Piatti Lochis, e quindi sono molto accessibili per un violoncellista bergamasco. Così, già verso la fine degli anni ’80, prima che nascesse l’idea di un’associazione vera e propria, insieme a mio padre, ho iniziato ad eseguire in pubblico le composizioni di Piatti. E poi, nel giugno del 1997, è nata l’Associazione. All’inizio, l’obiettivo lontano era quello di organizzare un festival per Piatti e l’obiettivo più vicino quello di organizzare le celebrazioni per il centenario della sua morte, nel 2001. A conclusione delle intense attività del 2001, insieme a mio padre, ho inciso, in un CD Phoenix Records, due delle sei sonate ed altre composizioni cameristiche particolarmente significative di Alfredo Piatti. Negli anni successivi, insieme anche a mia sorella Ljuba, che nel frattempo si era diplomata in canto, ci siamo dedicati alla diffusione delle composizioni vocali di Piatti, creando il Trio di Bergamo. La prima edizione del Festival, nel 2006, è stato comunque il traguardo più importante che abbiamo raggiunto perché, in quel momento, non esisteva in Italia nessun altro festival dedicato interamente al violoncello.

Andrea, Ljuba e Attilio Bergamelli

Nel novembre di quest’anno, il Festival Violoncellistico Interazionale Alfredo Piatti ha raggiunto la sua sedicesima edizione. Quali sono le motivazioni che hanno spinto l’Associazione Alfredo Piatti a far nascere questa manifestazione e a portarla avanti, pur fra mille difficoltà? Quali i risultati raggiunti?
Il Festival Violoncellistico Alfredo Piatti è nato con il desiderio di far riscoprire, non solo al pubblico, ma anche ai violoncellisti, le composizioni di Alfredo Piatti. In questi sedici anni siamo riusciti a raggiungere certamente ottimi risultati in questo senso, perché oggi moltissime delle composizioni di Piatti sono disponibili su CD, e vengono regolarmente eseguite dai violoncellisti di tutto il mondo. Fino alla fine del secolo scorso, invece, le uniche composizioni di Piatti che erano veramente conosciute erano i 12 Capricci, op. 25, che costituiscono un passaggio fondamentale per la crescita dei violoncellisti. Pochissimi erano i violoncellisti che sapevano che Piatti era stato un compositore molto prolifico, non solo di composizioni da camera e per violoncello e orchestra, ma anche di musica per voce, violoncello e pianoforte. Certamente, far partire il Festival e portarlo avanti è stato molto difficile, soprattutto quest’anno, ma abbiamo sempre potuto contare sul supporto della Fondazione MIA, che ci garantisce la disponibilità della meravigliosa Sala Piatti, una  delle più belle sale da concerto d’Italia, soprattutto dal punto di vista dell’acustica. Abbiamo poi avuto il supporto degli enti locali, delle fondazioni bancarie e di altri sponsor che hanno creduto nella validità del nostro progetto, ma soprattutto abbiamo avuto la disponibilità di grandi interpreti, come Antonio Meneses, Giovanni Sollima, David Geringas, Frans Helmerson, che hanno volentieri accettato di dare voce alle composizioni di Piatti, e di tanti giovani violoncellisti che hanno affrontato con coraggio e determinazione la sfida di studiare le composizioni di Piatti, quasi sempre estremamente impegnative dal punto di vista tecnico.

Quali sono i progetti dell’Associazione Alfredo Piatti per i festeggiamenti del bicentenario di Piatti?
Purtroppo, per una serie di sfortunare circostanze, legate anche alla situazione pandemica, siamo stati costrtetti ad annullare all’ultimo momento il concerto di Giovanni Sollima che avevamo in programma per festeggiare l’8 gennaio, ma speriamo di poterci rifare nei prossimi mesi. Appena la situazione si sarà assestata, e si potrò quindi tornare con maggiore serenità ai concerti in presenza, oltre al tradizionale festival di novembre, contiamo di organizzare concerti che si terranno fino alla fine del 2022, e non solo in Sala Piatti. Vorremmo infatti creare anche un intreccio fra arte, cultura e storia, valorizzando spazi alternativi come la Biblioteca Civica Angelo Mai, l’Accademia Carrara e le molte dimore storiche del nostro territorio. Abbiamo quindi coinvolto le più importanti accademie dove i violoncellisti si formano, perché i giovani interpreti siano protagonisti di alcuni di questi eventi. Ovviamente, non verranno eseguite sempre e solo composizioni di Alfredo Piatti, ma a tutti verrà chiesto, come sempre accade anche per il festival, di offrire al pubblico una visione a tutto tondo del repertorio violoncellistico. I dettagli sui singoli appuntamenti di questa stagione annuale, appena la situazione ne consentirà una maggiore definizione, verranno resi pubblici non solo attraverso il sito dell’associazione, ma anche sulle pagine facebook dell’Associazione Alfredo Piatti e del Festival Violoncellistico Internazionale Alfredo Piatti.

E quali i progetti per un futuro non così immediato?
Nel 2023, Bergamo e Brescia saranno Capitali Europee della Cultura, e stiamo lavorando per attivare una stretta collaborazione con l’Associazione Bazzini di Brescia. Il violinista Antonio Bazzini e Alfredo Piatti furono molto amici, oltre che colleghi, e ci sembra molto bello che anche le associazioni a loro intitolate possano collaborare da buone amiche. In futuro ci piacerebbe allargare la rete di collaborazione anche ad altre associazioni simili alla nostra, come ad esempio l’Associazione Bottesini di Crema o la Servais Society di Halle. Fra i sogni più lontani, c’è sicuramente un concorso violoncellistico internazionale dedicato a Piatti, nella sua città.

Grazie, Andrea, per la tua disponibilità con tanti auguri per un 2022 pieno di buona musica!

6 gennaio 2022

Sono tanti i violoncellisti che utilizzano in modo intelligente internet e i social network, ma tra questi David Johnstone spicca  per la sua grande vogLia di condividere e diffondere materiali e informazioni utili per i violoncellisti. Un desiderio che MyCello condivide con lui. Pertanto, decido di contattarlo e chiedergli se vuole rispondere ad alcune domande. Accetta la proposta con entusiasmo.
Quando, nella tua vita, hai visto e sentito per la prima volta un violoncello e perché hai deciso di sceglierlo come tuo strumento?
Bene, prima di tutto, grazie mille per avermi contattato. Cercherò di essere molto trasparente e onesto nelle mie risposte! La verità alla tua prima domanda è che non riesco davvero a ricordare quando ho sentito un violoncello per la prima volta; a quanto pare, ho chiesto di suonare il violino all’età di 6 anni, ma in quel momento non era possibile prendere lezioni di musica nella scuola del mio villaggio. Poi, poco dopo, ci siamo trasferiti nel capoluogo regionale (Reading, Berkshire, Inghilterra) e lì sì c’erano molti strumenti a disposizione; ho scelto il violoncello e mi è piaciuto molto fin dall’inizio. I miei genitori non suonavano a casa quando ero un bambino, ma mio padre era stato un batterista jazz quasi semi-professionista in gioventù e anche mia madre aveva preso lezioni di pianoforte per molti anni ed era in grado di suonare alcuni dei pezzi di Chopin “più facili”; a sua volta, suo padre era il primo trombettista della banda cittadina. Quindi, suppongo che alcuni geni musicali siano passati di generazione in generazione fino a me.

Quale dei docenti che hai incontrato durante gli anni di studio ha maggiormente influenzato la tua formazione e da quali punti di vista?
Sono cresciuto nell’era pre-internet, quindi non avevamo il vantaggio di vedere video meravigliosi su YouTube: era tutto faccia a faccia. Verso i 13 anni ho iniziato a soffrire un po’. Ho sentito che qualcosa non andava nel mio modo di suonare, non mi sembrava stesse progredendo come avrei voluto – non sapevo, in quel momento, che in effetti il ​​mio insegnante era… molto “povero”! Tuttavia, il direttore dell’orchestra sinfonica giovanile locale, dove avevo iniziato a suonare da poco, mi sistemò mandandomi a studiare con professore di violoncello dell’università locale – un violoncellista tedesco allora semi-pensionato di nome Martin Bochmann. Questa fu per me come una risposta dal cielo! Era piuttosto severo, ma molto analitico (aneddoticamente era quasi l’ultimo allievo di Hugo Becker, e suonava come primo violoncello d’orchestra in Germania/Austria negli anni ’40): proprio il tipo di approccio che andava bene per me. Ad esempio, quando ho iniziato con lui, odiava il mio vibrato “croony” a movimento circolare e fissava due blocchi di legno (legati da una corda dura) sopra e sotto il mio braccio sinistro per limitare i movimenti non necessari – faceva un po’ male, ma io mi era piaciuto farlo, perché vedevo che funzionava! La prova è che in soli due anni sono passato dal livello UK Grade 6 ad essere accettato nella National Youth Orchestra della Gran Bretagna. Conclusa la formazione di base, sono andato alla Royal Academy of Music – per i primi tre dei quattro anni avrei potuto fare molto di più, forse, ma ero un po’ intimidito a Londra; non tanto con la musica, quanto nell’imparare a cavarmela da solo (e non sono sicuro di averlo fatto!). Musicalmente non mi sentivo abbastanza spinto, anche se il mio insegnante Derek Simpson era un uomo meravigliosamente gentile con cui ho affrontato un’incredibile quantità di repertorio che mi è servito in seguito, quindi non è stata affatto una cattiva scelta. Verso la fine del mio periodo alla RAM ho visto che i violoncellisti che ammiravo di più erano quelli con lo stile di Lynn Harrell, e così l’ho contattato personalmente. Accantonai presto l’idea di andare con lui alla Juilliard, ma comunque ogni tanto mi riceveva a Londra e mi invitava alle sue masterclass. Una grande influenza per me. Infine, occasionalmente, cercavo un interprete specifico per lavori specifici; per esempio, ho lavorato su Rubbra e sui lavori di Enescu con William Pleeth, o sul Concerto di Finzi con Christopher Bunting.

Hai studiato in Inghilterra, ma ora lavori in Spagna. Quali sono, secondo te, le principali differenze tra il mondo della musica in questi due paesi? Quale dei due offre le migliori opportunità per gli studenti? Quale offre la migliore opportunità di lavoro?
Se me lo avessi chiesto trent’anni fa, quando stavo iniziando a farmi strada, probabilmente avrei dato tante risposte, ma oggi non ci sono così tante differenze. La scena del Regno Unito è ancora basata sui freelance mentre in Spagna è molto basata sui contratti. Ciò significa che i violoncellisti britannici sono grandi lettori a prima vista; ma in Spagna, anche se la prima prova può essere organizzata senza il tempo necessario per rifinire davvero i lavori, di solito è un programma di concerti a settimana (spesso con repliche o esecuzioni dello stesso lavoro). Il Regno Unito probabilmente si fida di più dei suoi migliori strumentisti d’archi, che si trovano ad essere più apprezzati dei musicisti che vengono dall’estero e sono invitati più spesso a svolgere il ruolo di solista. La Spagna ha piuttosto un’etica del musicista-lavoratore visto come funzionario pubblico: è più difficile farsi apprezzare per il proprio livello artistico o essere considerati di un livello superiore a quello che ci si aspetta dal normale orchestrale “di fila”. Qualsiasi opportunità per gli studenti, come i progetti dell’Accademia orchestrale, è benvenuta e dovrebbe essere accolta ogni volta che se ne ha la possibilità, allargando i propri orizzonti oltre i confini nazionali. Per quanto riguarda le opportunità di lavoro in generale, oggi preferirei davvero la Spagna; hai lo stesso repertorio di base della Gran Bretagna, gli stessi direttori e solisti invitati, ma con un solido stipendio regolare e ferie generose, il che significa che puoi permetterti di comprare una casa e avere una famiglia!

Quale concerto della tua carriera ricordi con più piacere e perché?
Non uno, ma tanti, tanti, ed è così difficile scegliere, così brevemente:
– Esame del terzo anno alla Royal Academy – tutto è semplicemente andato a segno in  recital pubblico (incluso Dvorak Concerto), ho ottenuto un alto punteggio di distinzione, e in seguito un netto cambiamento di rispetto da parte dell'”establishment” lì, ahah!!
– Primo grande concerto orchestrale a Londra (Barbican Centre) da giovane professionista, con la London Concert Orchestra (il primo di circa 150 concerti con loro)
– fine anni ’80 – ho suonato l’intera opera di Beethoven in due recital nella Holywell Room di Oxford, ottenendo ottime recensioni critiche con il bravo pianista inglese Paul Turner.
– fine anni ’80 – ho suonato nella nella Feria de Sevilla con la Royal Philharmonic Orchestra e accompagnando i famosi Cantores de Hispalis – mi ha aiutato ad aprire la mente alla cultura spagnola!
– primi anni ’90, nella mia prima opportunità di concerto in Spagna suonando le Variazioni rococò di Tchaikovsky con orchestra
– 2002 – un meraviglioso tour in Marocco suonando in un quintetto di tango, inclusi grandi assoli di violoncello
– 2010 – prima a Pamplona di tre brani indipendenti per archi che insieme formano una Sinfonia di Pasqua
– 2017 – solista invitato con l’intera Navarre Symphony Orchestra nella prima di due difficili opere da concerto nello stesso programma [opere di Joseba Torre e Koldo Pastor], e in una grande sala spagnola – la Pamplona Baluarte, come parte del NAK Contemporary Music Festival
Ma ce ne sono così tanti, potrei citarne dozzine e dozzine, e ho suonato in circa 18 paesi!

Quali sono le composizioni che suoni più volentieri? Quali sono gli altri musicisti con cui collabori di più?
Suono quasi tutto con piacere. Beh, non sono proprio uno specialista del barocco, anche se rispetto quelli che lo sono ovviamente. Mi sento più felice da Beethoven in poi. I tardo romantici e la prima metà del XX secolo meravigliosi – quasi tutti. La musica russa, ceca, britannica e tedesca ha così tanti grandi compositori. Mi piace anche la musica contemporanea, fino ai nostri giorni, ma non sai mai cosa ti verrà messo davanti!! Non ho suonato per lunghi periodi della mia vita nello stesso quartetto d’archi o trio con pianoforte – le due grandi combinazioni – ma ho suonato per oltre vent’anni in un trio clarinetto-violoncello-pianoforte chiamato B3 Classic con un vasto repertorio di circa 75 opere. Anche se in Spagna mi mancano quelle serate divertenti solo leggendo cose per piacere, qualsiasi combinazione davvero, l’ho fatto più spesso in Gran Bretagna … non sembra succedere molto qui. La musica di tango basata su Piazzolla è un genere nel quale sento di avere anche molti anni di esperienza; principalmente con il fisarmonicista spagnolo Javier López Jaso e altri suonatori di archi (ma molto meno recentemente). Mi sono dilettato un pochino di jazz e stili celtici, ce ne sono alcuni, da qualche parte su Internet, ma il flamenco è così specializzato: o lo fai piuttosto seriamente o non raggiungi mai un livello soddisfacente! Mi sono sempre sentito impegnato anche nella musica contemporanea, sia classica che leggera/popolare. Ecco qui un elenco della maggior parte delle composizioni che mi sono state dedicate e delle loro prime esecuzioni. Mi sono sempre sentito impegnato anche nella musica contemporanea, sia classica che leggera/popolare. Nello specifico, ho eseguito in prima assoluta più di 30 opere di oltre una dozzina di compositori della regione spagnola della Navarra, in gran parte grazie al mio coinvolgimento nel Centro de Música Contemporánea Garaikideak (Associazione spagnola di musica contemporanea).

Quando hai iniziato a comporre? Quali sono state le tue prime composizioni? E quali compositori pensi che abbiano influenzato di più il tuo modo di comporre?
Ho sempre composto, beh da circa 11 o 12 anni! È che trovo difficile “non” comporre!! In primo luogo, da ragazzo, imitavo solo Mozart o Beethoven “facili”, ma mi sentivo bene, almeno per me stesso! Alla RAM, il compositore scozzese Norman Fulton si è preso cura di me – nell’armonia, nell’orchestrazione, nella fuga e nella composizione; tuttavia, poiché io frequentavo il corso “performing”, la maggior parte delle altre attività accademiche erano extra e non obbligatorie, senza alcuna pressione! Ho fatto cose folli come arrangiare Finlandia per 16 violoncelli, fare una serie di variazioni di 20 minuti su Buon compleanno per 8 violoncelli, e ho provato a scrivere la mia Grosse Fuga per quartetto d’archi – ahimè, la maggior parte di questi folli giovani sforzi sono andati perduti, ma alcuni – come Brandenburg No.3 per 10 violoncelli – sopravvivono ancora! Mi sono dedicato più seriamente alla composizione dopo molti anni di arrangiamento per violoncelli, e in particolare per il gruppo londinese di quattro violoncelli The Cello Company. Sono stato aiutato anche da un produttore cinematografico a Londra, Julian Roberts, che mi ha fatto produrre alcune sue creazioni per Channel 4 TV, e mi ha dato la sicurezza di scrivere per combinazioni strane perché credeva in me… e così l’attività è fiorita in Spagna.

Quale delle tue composizioni ti piace di più e qual è quella che ha più successo?
Di nuovo troppo difficile da restringere, così brevemente (alcune sono su YouTube):
Sinfonia of Passion, per due solisti (varie possibilità) e orchestra d’archi; romantico, un mix tra Bach, Bruckner e Franck. Le mie 4 Seasons per violino e archi (mai state presentate in prima assoluta in concerto, non so perché!!), Tango World, una serie di 6 pezzi per tre violoncelli in stile tango, in cui ho trattato molti aspetti del tango [20 minuti] – quelli più facili sono stati eseguiti numerose volte negli ultimi tre anni circa! I miei ultimi concerti: Concerto-Rhapsody for Double Bass and Orchestra (archi e fiati) [26-27 min], e Concerto (Elegiac) per viola e orchestra da camera (archi e 2 corni) [19-20 min]. Mi piacciono entrambi questi lavori perché il solista domina senza ricorrere a virtuosismi “a buon mercato”, e anche le parti orchestrali hanno cose interessanti, non solo il solista. Gruppi di musica da camera: The Song Sonata, un popolare lavoro classico per duo di fisarmonica e pianoforte [12-13 minuti] – molto apprezzato in Spagna! Violin and Viola Friends, per ottetto di 6 violini e 2 viole [8 min]. Recital/Solo: Breaking Into Bach – 2 album di brani originali influenzati da Bach per il violoncellista Young Solo – [18 pezzi, 35 minuti in totale] – anche versioni per viola e contrabbasso. Sonata, for Solo Oboe [12 minuti] – davvero buona credo, ma molto dura/virtuosistica! Sonata for Solo Violin [17′ 00”] – non eseguita in anteprima, ancora MOLTO difficile!

In questi giorni stai presentando una nuova versione del tuo Concerto per violoncello. Quali sono le caratteristiche di questo concerto e quali sono le modifiche che, in questa nuova versione, hai apportato alla composizione originale?
Questo originariamente risale al 2007 e utilizza in proporzioni uguali lo sviluppo sinfonico e un’atmosfera di canzone popolare più lirica. Perché cambiare le cose? Perché all’inizio di quest’anno ho avuto l’enorme privilegio di registrare con l’Basque National Orchestra (San Sebastian) il mio Symphony-Concerto for Txistu (= flauto basco) e orchestra, e il movimento centrale è un grande movimento solista per solista senza orchestra; qui funziona bene come aumento delle tensioni prima del terzo movimento energetico. Ma, nel Cello Concerto, c’era anche una grande cadenza per il violoncello solista tra gli altri due movimenti e, a posteriori, ho sentito che questa sezione separava le parti esterne piuttosto che aiutarle a unirsi. Così ho creato un nuovo movimento centrale, un movimento di tipo Scherzo, che utilizzava parti della vecchia cadenza e incorporava cose nuove, ma questa volta coinvolgendo completamente anche l’orchestra. La cadenza successiva (nuova, composta quest’estate, non basata sul lavoro precedente) è molto più breve, ma rende il passaggio migliore. È più logico e strutturalmente coerente così!

Come ti è venuta l’idea di creare il sito Johnstone Music? Quali difficoltà hai dovuto superare per crearlo e perché hai deciso di consentire agli utenti di scaricare i tanti spartiti disponibili a un prezzo puramente simbolico?
Sono abbastanza orgoglioso del mio sito web, funziona con successo da oltre 20 anni. Infatti, deve essere ormai uno dei più grandi al mondo nell’area del violoncello – è una sorta di “open house” per l’abbondanza di spartiti per recital di violoncello (e anche altri strumenti anche se meno), brani di musica d’insieme da 2 a 40 violoncellisti, molti dei quali collegati a collegamenti ad audio, video e gruppi musicali di tutto il mondo. Attualmente, ci sono oltre 1000 singoli pezzi di spartiti per gruppi di varie dimensioni, che vanno dai violoncellisti alle prime armi ai solisti virtuosi professionisti. In più ci sono articoli e tante informazioni storiche sul violoncello e la sua storia. Molte persone hanno anche donato generosi contributi gratuitamente. Quindi, su questo sito Johnstone Music, si può trovare la maggior parte dei miei lavori degli ultimi 30 anni – non sarebbe molto miope avere tutti questi pezzi quasi inutilizzati sugli scaffali o usati solo per una prima e poi dimenticati? Preferirei di gran lunga che fossero condivisi in giro. Per molti anni infatti tutto è stato gratuito ma, qualche anno fa, i miei webmaster mi hanno convinto che era meglio chiedere pagamenti simbolici, perché tutto questo è così grande che costa ben oltre 1000€ l’anno semplicemente per mantenerlo. Nessuno dovrebbe in alcun modo pensare che questa sia un’avventura commerciale; per niente, e spesso mi fa venire il mal di testa, ma lo adoro – si potrebbe dire che è un “hobby professionale”!!

Se avessi una bacchetta magica che ti permette di esaudire tre desideri, quali dei tuoi desideri vorresti fossero esauditi?
1 – Vorrei che dalla musica classica si eliminassero le gelosie e le critiche inutili; tutti facciamo quello che possiamo e siamo tutti diversi. Nessuno sa tutto. La musica è farci sentire MEGLIO! Se non puoi dire qualcosa di carino è meglio non dire niente!
2 – Che, sebbene i benefici dei progressi tecnologici possano essere di grande utilità e aiuto, dovremmo ricordare che la tecnologia deve essere al nostro servizio; non dovremmo essere prigionieri della tecnologia!
3 – Compassione – un mondo dove le persone possano muoversi più liberamente, accogliere meglio gli immigrati, non essere così prevenute dall’opposizione di vecchia generazione sull’orientamento sessuale, e dove le religioni cerchino di non imporsi sugli altri… e nemmeno le persone sugli animali, che a mio avviso hanno lo stesso “diritto” di vivere come noi.
Sento che questi tre avranno ancora bisogno di qualche generazione!!

Grazie mille per averci dato l’opportunità di farti conoscere meglio dai nostri lettori. Speriamo che tu possa trovare presto la bacchetta magica giusta…

8 settembre 2021

Ciao Erik Friedlander, grazie per aver accettato di rispondere alle nostre domande.
Com’è nata la tua passione per il violoncello? Vieni da una famiglia in cui vi erano musicisti o amanti della musica? Tuo padre, se non sbaglio, è un fotografo importante, anche legato al mondo della musica.
Ho iniziato con la chitarra all’età di 5 anni e poi all’età di 8 mi è stato offerto un violoncello, nella scuola pubblica locale. Suono da allora. Mio padre ama la musica e ascolta tutti i tipi di musica mentre lavora in camera oscura, principalmente da nastri mixati che registrava usando cassette da 90 minuti. Sono stato esposto a tutti i generi di musica suonati ad alto volume nel nostro salotto e nel nostro camioncino quando abbiamo viaggiato per gli Stati Uniti.

Cosa puoi dirci della tua formazione come musicista: dove hai studiato e con chi?
Sono andato all’Aspen Music Festival e ho scoperto con orrore che, rispetto ai musicisti della mia età, ero molto in ritardo in termini di preparazione. Avevo bisogno di abbattere il mio approccio tecnico e rifarmi se volevo essere un musicista attivo. Ho passato gran parte dei miei primi vent’anni a fare proprio questo. Ho studiato con Harvey Shapiro, Ron Leonard, Zara Nelsova, Robert Gardner e molti altri. Ho vissuto a New York City e qui vi sono molti grandi musicisti ed insegnanti.

Che violoncello usi? Ho visto nei tuoi video che spesso usi anche un violoncello di carbonio, oltre a uno tradizionale strumento in legno e perché li alterni nei tuoi concerti?
Ho usato la fibra di carbonio per andare in tour ma sono presto rimasto insoddisfatto del suono. Mi ha fatto risparmiare un sacco di soldi perché lo potevo imbarcare nel bagaglio sotto l’aereo, come una valigia! Col tempo ho sentito che il violoncello perdeva il suo suono. quindi, ora sono in tour con il mio violoncello normale (Vidoudez 1922).

Vivi a New York: “The Big Apple” ha influenzato le tue scelte artistiche di musicista, non solo con la sua musica ma con tutte le sue forme d’arte ed espressione?
C’è una comunità di musicisti a New York che è piuttosto numerosa e di talento. È questa costante fonte di ispirazione per ascoltare cosa fanno le persone. È una continua spinta alla creatività!

Nel 2018 è uscito il tuo album Artemisia: cosa ci puoi raccontare di questo lavoro e quanto ha significato per te? A cosa si ispira Artemisia. Qual è il suo carattere musicale?
Il progetto Artemisia è stato ispirato da un viaggio al MoMA, qui a New York, da uno spettacolo dedicato a Picasso in cui avevano come parte dello spettacolo 6 bicchieri di assenzio. Gli occhiali erano piuttosto … innocenti a prima vista, ma mentre guardavo più da vicino, ho trovato un lato pericoloso. La parte anteriore di ogni vetro è esposta, strappata per mostrarne l’interno. Sembrava che Picasso dicesse che questo è quello che ti succede quando bevi assenzio. Questa visione mi ha spinto a esplorare la misteriosa storia dell’assenzio: sotto una patina affascinante nella Parigi del XIX secolo si nascondevano accuse di proprietà allucinatorie ed effetti sfuggenti che creavano un’atmosfera di dipendenza e morte.

Throw a Glass Project: un progetto spiccatamente jazz per un quartetto con una importante collaborazione di musicisti e, soprattutto, con Uri Caine. Puoi parlarci di questo esperienza e che tipo di musica ha espresso questo ensemble?.
Tutti in questa band sono eccezionali. È un piacere esibirsi con Uri (Caine), Mark (Elias) e Ches (Smith). Le loro interpretazioni della mia musica sono un piacere farne parte e mi ispirano.

Se non sbaglio, il tour di Throw a Glass ha toccato anche l’Italia: qual è il tuo rapporto con la musica del nostro paese, cosa ami dell’italiano tradizione musicale?
Tutti noi amiamo venire in Italia perché lì ci sono grandi fan del jazz e il cibo è spettacolare. Ci siamo esibiti a Padova, Palermo, Piacenza, Ferrara, San Vito Tagliamento e Firenze negli ultimi due anni.

Hai prodotto più di venti CD: vuoi ricordarci i principali, i più significativi? Credi che rappresentino un viaggio nel tempo per maturare nella tua figura di musicista e violoncellista?
Tutti i miei rilasci sono significativi per me. Sicuramente puoi usare le vendite per rispondere a questa domanda e in quel caso “Block Ice & Propane” è il mio CD più venduto. Mi piace il cd che ho dedicato alla mia prima moglie morta di cancro al seno, “Claws & Wings”. La registrazione del Broken Arm Trio è forte così come Oscalypso e Bonebridge. Seguo la mia curiosità e il mio intuito. Lascio che la musica mi parli, dicendomi cosa scrivere e per chi scriverlo.

Con quali altri musicisti hai collaborato e in quali progetti? Dicci almeno su quelli più significativi.
Dave Douglas – Parallel Worlds Marty Ehrlich – The Dark Woods John Zortn – Bar Kohkba, The Circle Maker, Volac, tra gli altri

Dream Song: in questa canzone, secondo me, vi sono influenze di una tradizione chitarristica americana, anche plugged, legata a certi musicisti come Ry Cooder, cioè border music del sud degli USA. Può essere vero? Cosa puoi dirmi a riguardo?.
In effetti quella è stata la mia ispirazione per la registrazione. Volevo prendere le tecniche di finger picking della musica popolare che avevo imparato a 5 anni e portarle al violoncello. La colonna sonora di Ry Cooder di “Paris Texas” è stata particolarmente influente.

The Romanoffs: parlaci di questo film e delle tue scelte come compositore per questa colonna sonora.
Adoro fare il lavoro sulle colonne sonore. Sono cresciuto con fotografie e musica nella mia vita. L’incontro tra musica e immagine fa parte della mia psiche. Penso di avere una buona sensazione e mi piacerebbe fare più punti. Ho usato il santour, il pianoforte, il violoncello e l’elettronica per dare forma alla partitura di “The Romanoffs”. È stata una colonna sonora intima per questa storia di una coppia in visita in Russia per completare l’adozione di un bambino.

Hai composto la colonna sonora del film “Oh Lucy”, presentato a Cannes. Quali sono state le tue scelte nel comporre la musica per questo film?
“Oh Lucy” aveva bisogno di un tocco leggero. Ho usato il violoncello, l’elettronica, solo per far risaltare l’umorismo e il calore del film. È stato un film difficile su cui lavorare perché è un mix di emozioni che vanno dall’umoristico al dolce e poi anche inquietante.

Oscalypso: un cd che ricorda uno straordinario jazzista: Oscar Pettiford. Vuoi parlarci di questo musicista e perché è stato così importante per te?
Oscalypso è una celebrazione della musica del bassista Oscar Pettiford che è stato innovativo anche per quanto riguarda il violoncello. Quando guardo alla storia per un modello di ruolo, è Pettiford. Fu il primo a guidare una band da dietro il violoncello. E ha scritto brani originali, alcuni dei quali ora sono classici. Pettiford aveva una sensazione speciale per lo strumento. Ha persino chiamato suo figlio Cello! È sempre stato un mio eroe.

Quali saranno i tuoi prossimi impegni, cosa hai scritto nel prossimo pagine della tua agenda?. Sei negli studi di registrazione per un nuovo album?.
Sto pubblicando un nuovo cd chiamato “Sentinel” con Ava Mendoza (chitarra) e Diego Espinosa (percussioni). Questo nuovo trio è “Sentinel” è stato registrato alla fine del 2019, quando ho invitato in studio la chitarrista Ava Mendoza e il percussionista Diego Espinosa. Il gruppo non aveva mai suonato insieme, per non parlare delle prove, quindi le mie composizioni sono state prese e elaborate sul momento. Ho scoperto che Diego sarebbe venuto a New York per un’esibizione, quindi ho prenotato lo studio e abbiamo registrato nei suoi giorni liberi, è stata una registrazione complicata, ma ci siamo divertiti e gran parte del primo giorno è entrato nel disco. La registrazione ha un’atmosfera quasi dal vivo. È come una garage band per il 2020.

Erik Friedlander, grazie per la tua gentile disponibilità. A te ogni migliore augurio la tua professione di musicista ma anche per ogni altro aspetto della tua vita.

25 agosto 2020

Martino Olivero recentemente ha vinto il Concorso Loiacono, e volentieri accetta di rispondere a qualche nostra domanda.
Può spiegare ai nostri lettori quali brani ha deciso di proporre per il concorso e qual è la particolarità di questo concorso?
Certamente, la particolarità di questo concorso è che, oltre a dover suonare, i concorrenti devono affrontare una prova di composizione. Per l’occasione io ho composto una sonatina e l’ho registrata insieme ai tre tempi della Terza Suite di J.S. Bach (Preludio, Sarabanda e Giga). La prova “extra-violoncellistica” credo che cambi di anno in anno, infatti l’anno scorso era prevista la scrittura di un saggio, oltre alla parte più ordinaria di esecuzione.

Quali caratteristiche ha la sonatina che ha deciso di comporre per questo concorso, e quale linguaggio musicale ha scelto di utilizzare?
La sonatina che ho composto per il concorso è in due movimenti, il primo lento e disteso e il secondo più marcato e ritmico. Per il linguaggio mi sono ispirato a John Coltrane e il violoncellista Stephan Braun, inoltre ho inserito una citazione al preludio della Quarta Suite di J.S. Bach.

Qual è stato il percorso di studi che le ha consentito di raggiungere questo traguardo?
Per quanto riguarda il percorso di studio di violoncello, ho fatto il percorso classico in Conservatorio, con il vecchio ordinamento; in seguito ho preso anche la laurea di secondo livello nello stesso strumento. Per quanto riguarda la composizione sono autodidatta, ma ho intenzione di iniziare a studiarla seriamente.

Quali insegnanti e quali esperienze, secondo lei, hanno influito maggiormente sulla sua formazione?
Che domanda difficile! Ho proprio paura di non riuscire a ringraziare tutti quegli insegnanti che, tra scuole e Conservatorio, mi hanno aiutato a crescere con tanti piccoli insegnamenti; è difficilissimo se non impossibile ricostruire la linea causale che mi ha portato ad apprendere ed integrare determinate nozioni e tecniche. In generale, mi sento molto influenzato da Enrico Bronzi (che ho conosciuto alle masterclass del festival di Portogruaro in Veneto), un musicista completo, che mi ha insegnato a considerare i brani nella loro totalità. Poi ha giocato un ruolo molto importante Damiano Scarpa (con il quale mi sono preparato per questo concorso), che mi ha seguito negli anni dopo il Conservatorio. Ringrazio infine gli insegnanti che mi hanno seguito in Conservatorio, i professori Andrea Scacchi e Massimo Macrì.

Qual è l’autore che ama di più? Quali sono le composizioni che ha suonato con più piacere? E quali quelle che ha in progetto di suonare in futuro?
Il compositore che amo di più (e che suonerei tutta la vita) è Sostakovic, anche se purtroppo l’ho suonato poco. La composizione che ho suonato con più piacere è il Sestetto op. 36 di Brahms, che ho avuto la fortuna di suonare con Bruno Giuranna presso il conservatorio Giuseppe Verdi di Torino. Un’esperienza che mi ha portato ad amare la musica da camera. Per il futuro ho intenzione di esplorare nuovi repertori, anche diversi dalla classica, come il jazz e l’improvvisazione in generale.

Preferisce suonare come solista, in gruppi di musica da camera o in orchestra? 
Personalmente, preferisco la musica da camera, per il dialogo che si crea con altre voci. Anche se, in realtà, mi sento sempre camerista, sia in orchestra (anche se all’interno di una fila), sia quando suono da solista, dato che gran parte del repertorio per violoncello solo ha bisogno del pianoforte, o di uno altro strumento, o anche un’orchestra che “accompagna”. Quando mi trovo a suonare da solo, amo la libertà del non dovermi adeguare a qualcun’altro e di poter gestire il discorso autonomamente, tuttavia sento sempre la mancanza di un “confronto” con qualcun’altro.

Se le chiedessero di fare un concerto in una scuola elementare, per far conoscere il suo strumento ai bambini, cosa suonerebbe?
Cercherei dei pezzi brevi e dalla struttura semplice, per mantenere viva l’attenzione, come ad esempio il primo capriccio di Dall’Abaco, e altri pezzi classici, come tempi tratti dalle Suite di Bach. Poi, è sempre difficile indovinare cosa potrebbe piacere o no: ogni bambino è un individuo a sè, con i propri gusti e la propria soglia d’attenzione. Una volta, mi è capitato di suonare davanti a una classe il primo movimento della sonata di Hindemith, un pezzo molto aspro come armonie. Ricordo che mi aspettavo indifferenza, distrazione e… il casino più totale da parte dei bambini. Invece sono stati tutti molto attenti e il pezzo è stato molto apprezzato. Non saprei dire se era un caso, ma mi ha portato a pensare che potremmo essere più coraggiosi con le scelte di repertorio per il pubblico più giovane. Ovviamente non voglio dire che bisogna far ascoltare solo Lutoslawski e Xenakis, ma che forse si possono allargare un minimo gli orizzonti degli ascotatori e sperare, per la legge dei grandi numeri, che uno su venti magari si possa interessare…

E se avesse la possibilità di suonare come solista con una grande orchestra, quale concerto sceglierebbe?
Uno dei concerti di Sostakovic ovviamente, ma… non saprei quale scegliere tra i due! Li ho sentiti entrambi da ragazzino e mi sono rimasti impressi nel profondo.

Che violoncello suona e qual è il suo rapporto con il suo strumento? Andate d’accordo o, a volte, lo strumento non risponde alle sue richieste?
Il mio strumento è un Sante Allegri del 1978, lituaio vissuto a Glorie, in provincia di Ravenna. E’ uno strumento dalla voce diretta e potente ed è molto affidabile, non c’è bisogno di troppo sforzo per tirare fuori un suono penetrante, ma allo stesso tempo non soffre se si vuole andare più verso il ponte a scavare il suono.

Quali sono i suoi prossimi impegni e quali i suoi sogni per il futuro?
Per il momento sono impegnato nella ruotine del  musicista appena diplomato: insegno in qualche scuola privata, suono con qualche orchestra e cerco di costruirmi una professionalità in questo ambiente non facile (specialmente in questi tempi di COVID). Anche solo riuscire ad avere una vita più stabile, facendo quello che mi piace per me in questo momento è  l’obbiettivo principale, e di questi tempi sarà ancora più difficile del normale.

E speriamo che la stabilità possa arrivare presto, nella vita di noi tutti… grazie mille per la sua disponibilità e in bocca al lupo per il suo futuro!

3 agosto 2020

Mi capita fra le mani un CD. Leggo “On The Bridge. Cello Ensemble“, nella foto di copertina vedo otto violoncellisti sorridenti. Li contatto e scopro che, in realtà, sono in nove. Le loro strade si sono incrociate ed hanno deciso di iniziare una bella avventura tutti insieme. Vediamo di conoscerli meglio.
Quando avete iniziato a studiare il violoncello e perché avete scelto proprio il violoncello?
Stefano Cerrato Ho iniziato lo studio del violoncello all’età di quattro anni. Nella mia famiglia tutti suonavano uno strumento e, quando anche per me venne il momento di iniziare a suonare, dissi a mia mamma: “Scelgo il violoncello perché così sto seduto”.
Alessandro Brutti Ho iniziato a suonare molto tardi, all’età di quindici anni. Ho scelto il violoncello perché mi affascinava molto il suo timbro, inoltre sono sempre stato attratto dall’arte della liuteria.
Simone Ceppetelli Seguendo l’esempio di mio fratello, iniziai lo studio del violoncello all’età di quattro anni. La scelta proprio di questo strumento fu però un caso dettato dal fatto che i posti disponibili nelle classi di violino fossero esauriti; la scoperta di una grande passione per il violoncello, maturata con gli anni, mi fece realizzare la grande fortuna avuta quel giorno.
Benedetta Giolo Mi sono avvicinata al violoncello all’età di sei anni: nata in una famiglia di musicisti, i miei genitori mi portarono ad un concerto di musica classica; notai subito il violoncello, le sue forme sinuose ed il suo suono. Da lì non ebbi dubbi su quale fosse lo strumento che volevo.
Sara Merlini Ho iniziato a suonare il violoncello a undici anni, colpita dal suono così simile alla voce umana, spronata da mio padre che avrebbe voluto fare il musicista, ma non ne ha avuto l’opportunità. Già dalle prime volte che ho avuto in mano il violoncello sono rimasta colpita dal calore così avvolgente del suo suono.
Lucia Molinari Ricordo di aver assistito fin da molto piccola alle prove dell’orchestra della scuola di musica dei miei genitori. Quando è arrivato finalmente anche per me il momento di scegliere lo strumento, all’età di sei anni, l’attrazione per il lato oscuro dell’orchestra e lo spirito di squadra che si respirava nella sezione dei violoncelli sono stati determinanti.
Emanuele Rigamonti A tre anni mi dilettavo a strimpellare con strumenti giocattolo. Al violoncello mi sono avvicinato a sei anni. Le mie sorelle già suonavano il pianoforte e il violino: io volevo uno strumento più bello!
Matteo Vercelloni Ho iniziato lo studio del violoncello all’età di nove anni. Da piccolissimo non avevo mai mostrato un particolare interesse per la musica in generale. La svolta avvenne grazie ad un vecchio cartone animato musicale, più precisamente si trattava di “Pierino e il lupo”, dove compariva una sagoma di violoncello. Fu un colpo di fulmine. E l’amore è ancora ben saldo.
Vittorio Zelocchi I miei genitori, entrambi ex musicisti, mi hanno sempre comunicato l’importanza della musica. All’età di 10 anni, incoraggiato anche da mia sorella che già da un anno aveva intrapreso lo studio del flauto traverso, ho iniziato a suonare il violoncello. Non ricordo precisamente il motivo della mia scelta, ricordo solamente che, ai miei occhi, era lo strumento più affascinante di tutti.

Quali sono state e quali sono le vostre esperienze più significative di musica d’insieme?
Alessandro Brutti Considero significative tutte quelle esperienze che possono insegnarti qualcosa: non c’è niente di meglio che lavorare con qualcuno dal quale puoi imparare e “rubare” qualcosa, o che ti può fornire spunti originali o prospettive inedite riguardo qualcosa che già pensavi di conoscere. Negli ultimi anni ho avuto l’opportunità di lavorare con alcuni dei più grandi direttori e solisti, e ho capito che la loro grandezza risiede nei messaggi che riescono a veicolare tramite la loro arte. Per queste preziose esperienze devo ringraziare, tra gli altri, istituzioni quali l’Orchestra Giovanile Italiana, l’Orchestra L. Cherubini e l’Orchestra Filarmonica V. Calamani.
Simone Ceppetelli Soprattutto negli ultimi anni la mia relazione con la musica da camera è stata molto intensa, essendomi specializzato proprio in questa materia. La mia attività musicale è infatti principalmente legata a gruppi da camera con i quali ho avuto la possibilità di stringere un’intesa. Tra questi mi sento di citare il mio trio (trio BIS) con il quale ho partecipato a diversi concorsi e mi sono esibito in numerosi festival in Italia e all’estero.
Stefano Cerrato Le esperienze di musica di insieme più significative le ho senz’altro vissute sia durante i primi anni di studio, quando sono entrato a far parte dell’Orchestra Suzuki di Torino, che – una volta diplomato – grazie allo studio della musica cameristica all’interno del Trio Caravaggio insieme a mio fratello, con il quale inoltre negli ultimi anni ho intrapreso una ricerca stilistica sulla musica tardo barocca con l’utilizzo di strumenti originali fondando il gruppo Armoniosa.
Benedetta Giolo Ho da sempre amato la musica d’insieme molto più di quella solistica per il senso di appartenenza ad un progetto comune, a delle emozioni condivise, ad una squadra. Nel 2015 ho partecipato all’Orchestra dei Conservatori della Lombardia e del Canton Ticino, durante il 2018 all’Orchestra Giovanile Italiana: sono state per me esperienze di un’importanza fondamentale, avendo avuto l’opportunità di confrontarmi con grandi solisti e direttori, crescendo sia dal punto di vista umano che musicale.
Sara Merlini Ho ancora vivi ricordi delle mie prime esperienze orchestrali: non ero che una giovane violoncellista in erba che cercava di nascondere l’emozione fra i tanti musicisti più grandi ed esperti dell’Orchestra Senzaspine, nella quale ho avuto modo di crescere negli anni come musicista. Molto formative sono state di certo anche le esperienze con l’Orchestra Erasmus, come primo violoncello e con la Tiroler Festspiele Erl Orchesterakademie con il maestro Gustav Kuhn.
Lucia Molinari La musica d’insieme è sempre stata la mia passione e in essa leggo il senso profondo dell’essere musicista, nei suoi imprescindibili valori di confronto, condivisione, empatia e rispetto. Personalmente l’esperienza che mi ha più segnato da questo punto di vista, andando ad arricchirsi dei numerosi anni di orchestra giovanile e di ensemble nella classe di Stefano, è il percorso intrapreso con il mio quartetto d’archi (Quartetto Daidalos).
Emanuele Rigamonti Io dedico la mia vita e il mio studio alla musica da camera. Tutte le esperienze fatte con i miei gruppi sono importanti, nessuna esclusa, in particolare quelle con le mie sorelle con cui ho un trio stabile (Trio Rigamonti). Ogni concerto, lezione o produzione discografica che mi ha permesso di relazionarmi con altri musicisti è stato per me estremamente formativo.
Matteo Vercelloni Sin dalle prime settimane di studio, mi fu chiaro come la mia dimensione violoncellistica sarebbe stata prevalentemente dominata dalla parola “insieme”. Le prime esperienze orchestrali furono determinanti, i concerti negli anni sempre più numerosi. Ricorderò sempre un magnifico corso orchestrale a Villadossola: una Quarta Sinfonia di Mahler densa di tensione emotiva. Non posso non citare la musica da camera, che rappresenta per me il cuore pulsante della mia anima musicale. Tutti i gruppi con cui ho suonato sono stati importanti, tutti mi hanno contribuito alla mia formazione. Sono molto grato a tutte le colleghe ed a tutti i colleghi con cui ho lavorato.
Vittorio Zelocchi Ho iniziato ad apprezzare la musica da camera qualche anno dopo l’inizio del mio percorso di studi. Fu il mio primo maestro di musica da camera di conservatorio, Pietro Scalvini, a trasmettermi l’importanza e soprattutto la bellezza di suonare insieme. Imparai a divertirmi, a condividere idee e riflessioni con i colleghi e ad apprezzare le opere più celebri del repertorio cameristico. Negli anni seguenti ho potuto vivere bellissime esperienze con l’Orchestra Giovanile della Via Emilia (OGVE) come spalla dei violoncelli e con concerti organizzati da alcuni colleghi musicisti e dall’ISSM “Vecchi-Tonelli” di Modena.

Quando è nato il vostro gruppo? Di chi è stata l’niziativa e come avete scelto il nome? Dove vi trovate a provare?
L’attività di On The Bridge è nata nel 2019 dalla nostra comune passione per il gruppo di violoncelli e in seguito a un progetto didattico interno alla classe di Stefano presso la Scuola di Musica Dedalo di Novara; uno dei primi obiettivi è stato la preparazione di un programma in ensemble mirato alla successiva registrazione e pubblicazione, insieme ad alcuni elementi esterni alla classe che Stefano ha contattato per l’occasione. Il nome “On The Bridge” è nato scherzando fra Lucia, Emanuele e Stefano, per via delle frequenti richieste di quest’ultimo di suonare con l’arco più vicino al ponte per produrre un suono più nitido e sgranato. Ci troviamo per delle sessioni intensive di studio presso la sala prove di Stefano ad Asti oppure alla Dedalo di Novara.

Perché avete deciso di iniziare questa esperienza?
Stefano Cerrato La volontà di formare un gruppo di violoncelli nel mio caso deriva dalla passione che il mio maestro Antonio Mosca mi ha trasmesso per questa formazione durante il mio percorso di studi con lui, attraverso numerose attività estive che vedevano l’ensemble al centro della sua didattica con bambini e ragazzi. Tant’è vero che negli anni ho iniziato a ricercare musica anche inedita dedicata a questa insolita formazione nonché a trascrivere musica io stesso, fino a realizzare il sogno di avere un gruppo mio.
Benedetta Giolo Sin da prima che nascesse “On the Bridge” Stefano ha spesso organizzato esperienze di musica d’insieme per  ensemble di violoncelli a cui ho partecipato: ho notato sin dall’inizio che si era creato un bel clima di complicità e collaborazione, raggiungendo ottimi risultati. Quando lo scorso anno Stefano mi propose di partecipare a questo nuovo gruppo che stava nascendo non potevo che accettare con immensa gioia. Con il tempo poi, oltre ad essere un gruppo di violoncellisti, siamo diventati anche ottimi amici e durante le nostre prove non manca mai una battuta, un sorriso, uno scherzo.
Emanuele Rigamonti Con la classe di Stefano l’attività di cello ensemble non è mai mancata. Da anni, nei miei pensieri, c’era il desiderio di formare un gruppo stabile e portare questa formidabile esperienza cameristica nelle sale da concerto. Io stesso, nel mio piccolo, ho cercato di creare delle occasioni per concretizzare il progetto. Ad un certo punto, in qualche modo, ci siamo imposti il dovere di far nascere “On the Bridge”. Era nell’aria da troppi anni e il successo era assicurato: tra violoncellisti non si può non andare d’accordo!
Vittorio Zelocchi Avevo sempre desiderato sperimentare l’esperienza in un ensemble di soli violoncelli per via di tutte le molteplici potenzialità e sfumature che si possono ottenere; il dialogo con strumenti uguali al nostro è inoltre sempre immediato, in un certo senso: le voci si fondono in un’unica intenzione e ho anche la fortuna di partecipare a questa avventura con colleghi bravissimi e persone stupende.
Sara Merlini Anche se all’inizio può spaventare pensare di suonare in un ensemble con otto altri violoncellisti, a causa della possibile competizione, ho accolto ben volentieri l’invito da parte di Stefano. Ho avuto così modo di constatare che, oltre al repertorio molto interessante, è possibile imparare molto gli uni dagli altri e scambiarsi opinioni, idee e punti di vista che sto scoprendo arricchirmi molto come interprete.
Lucia Molinari L’esperienza dell’ensemble di violoncelli è sempre stata una costante negli anni di studio con Stefano e ho sempre trovato straordinario quanto versatili possano essere le possibilità espressive di questa formazione. Costituirsi come gruppo stabile è stato per me speciale non solo per la qualità e la serietà del lavoro che si svolge insieme, ma anche per l’amicizia, il sostegno reciproco e lo spirito di gruppo che ci legano.
Matteo Vercelloni Conosco Stefano da tempo e, negli anni, la prospettiva di creare un ensemble di violoncelli che facesse della stabilità uno dei suoi punti fondanti è apparsa più volte, ma sempre facevano capolino diverse difficoltà di varia natura. Le difficoltà non sono sicuramente scomparse, ma alla fine la volontà di arrivare fino in fondo con questo progetto e, soprattutto, l’aggregazione delle giuste menti e delle giuste anime ci ha portato a concretizzare un grande obiettivo. Il clima è dinamico, ricco di stimoli culturali ed intellettuali, ma è anche permeato da un’atmosfera serena e spesso gioviale.  Con dei colleghi, con dei compagni d’avventura così, non c’è nulla da temere. Non avrei mai potuto dire di no ad una simile opportunità!
Alessandro Brutti Prima che nascesse l’idea di On The Bridge” per me l’attività di ensemble di violoncelli era sempre stata relegata ad attività “di contorno” a masterclass o eventi circoscritti. Nell’agosto 2019 ho ricevuto l’invito a partecipare alla formazione di questo gruppo e non ho avuto dubbi, perché fin da subito ci siamo posti obiettivi importanti, quali l’incisione del disco Vocal Chords, e perché si prospettava un lavoro votato alla massima accuratezza e serietà.
Simone Ceppetelli La mia partecipazione alla formazione di un gruppo stabile di soli violoncelli risale a diversi anni fa quando Stefano, il vero ideatore di questo progetto, aprì la sua prima classe di violoncello. Sono sempre stato convinto delle grandi possibilità che avrebbe avuto un ensemble come questo ma, fino ad un anno fa, si era trattato sempre di progetti didattici ideati per imparare e suonare insieme allo stesso tempo. Nell’agosto del 2019 si è però concretizzata l’idea iniziale e un vero e proprio gruppo, unito dalla volontà comune di realizzare un progetto discografico molto interessante, si è costituito.

All’interno del gruppo, come vi siete organizzati? C’è qualcuno in particolare che decide cosa suonare o che si preoccupa di trovare occasioni per i concerti, o di organizzare le trasferte?
Come in ogni team di lavoro, anche nel nostro gruppo ognuno svolge mansioni diverse: Emanuele e Stefano decidono quali brani inserire in programma, ma ognuno è sempre libero di fare delle proposte, Stefano trascrive e arrangia, Alessandro si occupa di tradurre i testi delle interviste e dei CD in inglese o in tedesco, Emanuele si occupa di promozione e pubblicità mentre le occasioni per suonare, oltre che da Benedetta, vengono procurate da qualsiasi membro dell’ensemble. Oltre alla sfera strettamente musicale si aggiungono preziosi contributi che tengono insieme il gruppo: il ruolo di Matteo, sempre pronto a tenere alto il morale e l’entusiasmo (oltre che a scarrozzarci qua e là); l’apporto culinario di Emanuele, che più sono difficili i pezzi da studiare più dolci ci cucina; l’umorismo e la battuta sempre pronta di Alessandro; il ciuffo di Simone, senza il quale cadrebbe uno dei principali elementi di conversazione. Vittorio è senza dubbio “l’anima buona” dell’ensemble, lo spirito pacifico che offre supporto a tutti. Si sa che ogni gruppo, soprattutto se numeroso, necessita di un elemento che sappia tenere i piedi ben per terra e che sia anche in grado di fornire pareri sempre oggettivi e ben chiari: ecco la figura di Benedetta, la cui precisione organizzativa è salvifica per tutto l’ensemble. Sara è una grande entusiasta, una persona ricca di energia, una fonte di sorrisi e di buon umore garantito. Lucia è l’anima zen del gruppo: quando la tensione sale sa ascoltare, sa tranquillizzare gli animi inquieti, sa rassicurare: è sicuramente un punto di equilibrio per l’ensemble.

Verso quale tipo di repertorio vi siete orientati finora e quale repertorio avete in progetto di affrontare in futuro? Esiste un repertorio per la vostra formazione o dovete occuparvi di fare degli arrangiamenti?
Le infinite possibilità espressive di un ensemble di violoncelli lasciano spazio a grande creatività e tra gli obiettivi del nostro gruppo vi sono la riscoperta di musica originale, la trascrizione e l’adattamento e infine la richiesta ad autori viventi di scrivere appositamente musica nuova. “Vocal Chords”,  il nostro primo CD, offre infatti un repertorio variegato di brani appartenenti a ognuna di queste categorie, compresa una Toccata per quattro violoncelli scritta appositamente da Francesco Cerrato. Sarebbe bello, in futuro, poter diventare un punto di riferimento italiano per i compositori che vogliono scrivere per questa formazione.

È semplice trovare un punto d’accordo sulle scelte interpretative? Quando siete in disaccordo, discutete pacatamente, seguite le indicazioni di qualcuno in particolare o… litigate?
Le scelte interpretative sovente vengono offerte dallo stesso testo musicale; un’attenta analisi toglie quasi ogni dubbio su come esse debbano emergere. Ciò che resta soggettivo, facciamo del nostro meglio per affrontarlo affinché si trovi una comunione d’intenti. Non esiste gruppo musicale al mondo che non incontri talvolta qualche divergenza sul fronte interpretativo. Tuttavia le scelte, umane e professionali, accuratamente ponderate, ci hanno permesso fin’ora di evitare scontri per via di idee musicalmente contrastanti.

Quali sono stati, finora, i concerti che vi hanno dato più soddisfazione?
Il momento del concerto è sempre una speciale occasione di restituzione al pubblico del nostro studio e ci permette di avere un obiettivo in direzione del quale orientare il lavoro. Sebbene i concerti all’attivo non siano ancora numerosissimi, ciascuno di quelli vissuti è stato a suo modo speciale.

Avete già realizzato un CD. Come è nato il vostro progetto? Quali difficoltà avete dovuto superare e come siete riusciti a superarle?
Il CD è nato insieme all’ensemble: ci serviva subito un progetto ambizioso che ci permettesse di avviare il gruppo. Organizzare questa registrazione non è stato facile: abbattere il più possibile i costi, cercare una cantante disponibile a collaborare, cercare un luogo adatto per registrare e un fonico professionale, trovare un’occasione per testare il programma, sono solo alcune delle problematiche che abbiamo dovuto affrontare. Ma lo scoglio più alto è stato  il momento della registrazione. Nonostante le sessioni mettano alla prova qualsiasi gruppo di artisti a prescindere dalla loro esperienza, durante la nostra siamo riusciti a mantenere un clima di calma e serena collaborazione, non privo di momenti di ilarità. Non sono però mancati anche i momenti di difficoltà: in registrazione anche le più grandi certezze possono crollare.

Quali sono i vostri progetti per il futuro?
I progetti che abbiamo in mente riguardano la continua ricerca di musica nuova e vecchia, la produzione di adattamenti, il reperimento di occasioni per suonare e una nuova registrazione che veda partecipi alcuni ospiti eccezionali e insoliti per un gruppo di violoncelli. In primis, non vediamo l’ora di recuperare due concerti che avremmo dovuto fare a marzo a Novara e Treviglio, rimandati per l’ondata di Covid-19.

Speriamo tutti di poter riprendere presto la nostra vita musicale! Un augurio particolare a voi perchè la vostra avventura possa continuare con l’entusiasmo con cui è partita.

25 maggio 2020

Caterina Isaia è una delle più interessanti fra le giovani violoncelliste italiane. In questo momento sta studiando a Londra, e accoglie volentieri una proposta di intervista che le viene da Bergamo, la città dove ha trascorso alcuni anni della sua vita.
Perché la musica e perché il violoncello? Pensi che la tua famiglia abbia in qualche modo influenzato la tua scelta?
Ho vissuto i primi anni della mia vita in Sicilia e a 6 anni cantavo nel Coro di voci bianche del Teatro Lirico Vittorio Emanuele di Messina e nella Stagione Estiva del Teatro Greco di Taormina. Sono cresciuta nei Teatri perché la mamma era direttrice del coro e insegnante di pianoforte. Ascoltando le prove dell’orchestra sinfonica, sono stata colpita dalla voce del violoncello. Avrei voluto cominciare subito a suonarlo ma, a causa degli spostamenti della mia famiglia, ho potuto iniziare i miei studi a Bergamo, qualche anno dopo.

A che età hai iniziato lo studio del violoncello? Dove hai studiato e quali sono stati i tuoi primi maestri?
Ho iniziato all’età di nove anni, prendendo lezioni per nove mesi al Conservatorio di Bergamo con Flavio Bombardieri per poi, con il sostegno della mia famiglia, seguire le lezioni della violoncellista sino-americana Marianne Chen, a Parma. Dal 2015, sono stata allieva di Monika Leskovar. E ad Ottobre del 2016 ho partecipato all’International Cello Competition “Antonio Janigro” in Croazia. In quell’occasione un giurato del concorso, il violoncellista Giovanni Gnocchi, mi propose di provare ad entrare alla Yehudi Menuhin School di Londra, per proseguire lì i miei studi. Dopo due round di audizioni (prima video e poi live a Londra), sono stata ammessa con una borsa di studio che copre il 90% della retta annuale che ammonta a quarantaduemila sterline! Dall’Italia il restante 10%  grazie all’Accademia Filarmonica di Verona e ad UBI Banca, a cui sono molto grata. All’eta’ di quattordici anni, mi sono trasferita a Londra, nel College della Menuhin School, per studiare sotto la guida del violoncellista e didatta americano Bartholomew LaFollette.

Prima di trasferirti a Londra, hai frequentato un anno di Liceo Musicale. Quali, fra le materie che ti sono state proposte nel corso degli studi, ritieni che siano le più importanti per la formazione di un musicista e quali invece hai percepito come più lontane dai tuoi interessi?
Ho frequentato il primo anno di scuola superiore al Liceo Musicale Secco Suardo di Bergamo, prima del trasferimento in Inghilterra. Avendo frequentato pochissimo il Conservatorio o una istituzione con materie musicali, ho subito realizzato quanto fosse importante avere una visione della musica anche attraverso lo studio di Teoria musicale, Armonia e Storia della musica; ho compreso profondamente anche l’importanza formativa della Letteratura, della Storia dell’Arte e della Matematica per la crescita di un musicista. Penso che tutte le materie siano importanti, perché ognuna di esse ti offre un approccio ed una prospettiva diversa. Personalmente, ho un interesse particolare per le materie umanistiche e per le lingue straniere.

E ora dove stai studiando? Come è strutturato il tuo percorso di studio?
Sto concludendo il mio terzo anno alla Yehudi Menuhin School, dove studierò  fino alla prossima estate. Alla Menuhin School, le giornate sono strutturate in modo che si possano studiare materie scolastiche, come Inglese, Tedesco, Matematica, Biologia ecc.. insieme a materie teorico-musicali come Storia della musica, Armonia, Composizione ed Ear Training. Durante la giornata abbiamo a disposizione circa quattro/cinque ore per studiare il nostro strumento principale e la sera un’ora per fare i compiti. La giornata inizia alle 7:45 del mattino con la prima ora di studio per tutti, e si conclude alle 8 di sera. Riceviamo due lezioni di strumento alla settimana dall’ insegnante principale e una lezione dall’assistente. Il percorso scolastico segue le linee guida del governo britannico, quindi abbiamo degli esami estivi a sedici anni (chiamati GCSE) e poi a diciotto (A Levels). In piu’, abbiamo dei gruppi di musica da camera, come quartetti d’archi o trii per violino, violoncello e pianoforte. La musica da camera contribuisce moltissimo alla crescita di ognuno di noi, sia come musicisti che come persone.

Quali sono i concorsi più significativi, dal tuo punto di vista, fra quelli a cui hai partecipato? Pensi che partecipare ai concorsi sia importante per un giovane musicista?
Fin da piccola ho partecipato a molti concorsi nazionali. per abituarmi a suonare in occasioni diverse, conoscere nuove persone e fare nuove amicizie. All ‘Ínternational Cello Competition “Antonio Janigro”, ho vinto il primo premio e il premio speciale consistente in un concerto con la “Zagreb Chamber Orchestra”. Ricordo molto bene l’estate trascorsa in preparazione al mio primo concorso internazionale. Sono molto grata al supporto che ho ricevuto dalla mia famiglia, che quotidianamente mi ha sempre sostenuta, anche nei momenti di sconforto. Personalmente, penso che sia molto importante partecipare ai concorsi, in quanto, la preparazione e lo studio che precedono la performance, sono un grande momento di crescita, musicalmente e tecnicamente. Si impara molto anche dagli altri concorrenti e dai membri della giuria. Tuttavia è anche importante prendere periodi di pausa dai concorsi, per concentrarsi su se stessi e studiare aspetti che, sotto la pressione di un concorso, non si possono affrontare. Da quando sono entrata alla Menuhin School, non ho più fatto concorsi fino allo scorso gennaio, quando ho vinto il primo premio al ”14th Jan Vychytil International cello competition” di Praga.

Già molti concerti importanti sono presenti nel tuo curriculum: quali hanno avuto un significato particolare per te?
Sono molti i concerti che per motivi diversi ricorderò a lungo. Il primo da solista con l’orchestra ad undici anni. Suonai il Concerto in Do maggiore di Haydn. Ricordo con piacere anche il concerto di apertura del Festival Violoncellistico “A. Piatti” nella Sala Piatti a Bergamo, con il programma che avrei portato al Concorso in Croazia. Restera’ sempre nel mio cuore il primo concerto di musica da camera alla Menuhin Hall, a Londra, dove con i miei compagni, abbiamo suonato il Quintetto di Schumann e un anno dopo il Quintetto di Dvorak. Ad Aprile 2018 sono stata scelta dalla scuola per un tour di sette concerti in Scozia, dove ho suonato da solista accompagnata dal pianoforte ed in duo con violino e con chitarra. E’ stato bellissimo fare il mio primo tour con i miei amici, nell’accogliente atmosfera scozzese. Nell’ ottobre 2018, la Menuhin School Orchestra ha fatto un tour in Spagna, dove ho avuto il privilegio di essere spalla dei violoncelli. Abbiamo suonato a Madrid, Valencia, Zaragoza, e al suggestivo Auditorium Pablo Casals di El Vendrell. Lo scorso dicembre sono stata scelta per suonare il Concerto in la minore di R. Schumann con la Marlborough Concert Orchestra. Sicuramente il concerto di Schumann e’ uno dei miei preferiti ed è stata un’esperienza indimenticabile. Ultimo, ma non meno importante, il concerto nella meravigliosa Sala Martinu del palazzo Liechtenstein di Praga. Recentemente sono stata invitata, insieme al mio quartetto, a suonare “Introduzione e Allegro” di Elgar, alla Royal Festival Hall con la Orchestra senior dei workshops di Nicola Benedetti e la Fondazione Benedetti. E’ stata un’ esperienza emozionante, partecipare ad un progetto così importante in cui  la famosa  violinista britannica avvicina alla musica e allo studio dello strumento moltissimi bambini di tutte le eta’.

La tua carriera è iniziata molto presto. Questo, secondo te, ha in qualche modo influenzato i tuoi rapporti con i coetanei?
Sicuramente. Ho dovuto rinunciare spesso ad uscire con amici e a praticare la ginnastica artistica. Attività agonistica che, a dodici anni, con dispiacere, ho dovuto lasciare a causa dello studio del violoncello. Sono nata in Sicilia, ancora bambina mi sono trasferita in Lombardia ed appena adolescente sono andata a vivere in Inghilterra. Mi sono dovuta ambientare a culture e stili di vita diversi. Tuttavia ho amici non musicisti che conosco da piccola, con cui i rapporti non sono cambiati, anzi ricevo molto supporto da loro e sono comprensivi quando non sono disponibile a causa dei miei impegni di studio e artistici. Sono certa in compenso, che questi anni vissuti alla Menuhin School mi hanno permesso di creare legami di amicizia con persone di diverse culture, che resteranno per tutta la vita.

Ti piace suonare in orchestra? Cosa apprezzi di più nel “gioco di squadra”?
Adoro suonare in orchestra, specialmente da quando sono alla Menuhin. Penso che l’orchestra sia il posto perfetto per imparare molto dal punto di vista musicale, grazie ai consigli dei direttori. Ma soprattutto è ideale per mettere da parte il proprio ego e imparare ad ascoltare gli altri per rendere l’orchestra uno strumento solo. Non solo ascoltarsi, ma ascoltare quello che succede intorno a noi.

Quale spartito hai in questo momento sul leggio? Qual è il compositore con il quale ti senti più in sintonia in questo momento della tua vita? E perché questa scelta?
In questo momento, sto lavorando alla quarta suite di Bach. Bach è il compositore con il quale mi sento più in sintonia, poiché la sua scrittura così densa,  mi porta ad approfondire una dimensione spirituale in cui ritrovo  me stessa, sopratutto in questo periodo di lontananza dalla mia famiglia. Tuttavia sto lavorando e scrivendo per la classe di Composizione delle canzoni hip-hop/moderne, quindi ascolto anche molta musica di altri generi (jazz, elettronica, concreta, pop) .

Che violoncello suoni? Quanto è importante per te lo strumento con cui suoni? Ha un nome il tuo violoncello? Nel tuo strumento vedi di più un padre maturo che rassicura ed infonde coraggio, un fratello maggiore che offre empatia ed ascolto nei vari momenti della nostra giornata, un amico spensierato ed allegro che regala momenti di vitalità e gioia, da ricordare nel futuro, o…?
Suono un violoncello anonimo di fine ottocento. Questo strumento e’ stato suonato della mia insegnante Monika Leskovar per alcuni anni, prima che lo suonassi io. Ci tengo moltissimo perché ha un suono molto morbido. E’ l’unico violoncello, di quelli che fino ad ora ho suonato, a cui non ho dato un nome! L’ho sempre visto nelle mani di Monika e quindi lo vedo molto come un padre maturo che rassicura ed infonde coraggio. Naturalmente la sua “fisionomia” cambia, in relazione alla musica che sto suonando.

Quali sono i progetti per il tuo prossimo futuro?
Grazie all’Associazione Musica Con Le Ali,, che mi supporta dal 2019, avrò l’opportunità di suonare alla Sale Apollinee del Teatro La Fenice di Venezia, al Teatro Politeama di Palermo ed in altre prestigiose istituzioni musicali italiane. Mi piacerebbe anche partecipare ad altri concorsi internazionali e suonare molta musica da camera. Intanto voglio concentrarmi nello studio e in futuro mi piacerebbe moltissimo insegnare ai bambini e creare in Italia una realtà simile alla Menuhin School!

Grazie per il tempo che mi hai dedicato e buona fortuna per la tua carriera!

18 maggio 2020

Quando intervisto qualche violoncellista, in genere mi dice che ha iniziato a suonare quando era molto piccolo, che papà e mamma erano musicisti e in casa si viveva a pane e musica, ma non sempre capita così, e non tutti i bambini che vengono affascinati da un violoncello hanno la possibilità di iniziare subito a suonare. Il sogno però resta, custodito in un angolo nascosto del cuore, e capita che, prima o poi, si trasformi in realtà. Così è successo a Michèle Ferron, una simpatica violoncellista canadese che non ha mai smesso di sognare…
Quando e dove hai visto e sentito un violoncello per la prima volta nella tua vita?
Ero veramente piccola, forse 8 anni, quando la mamma della mia migliore amica mi ha portato per la prima volta a un concerto. È stato qualcosa di meraviglioso. Io non vengo da una famiglia dove si ascoltava della musica e in casa non avevamo dischi o strumenti musicali. Questa donna mi ha aperto una finestra su un mondo straordinario che non avrei potuto immaginare senza di lei. Ci aveva preso un abbonamento per i concerti del sabato mattina dell’orchestra sinfonica. Erano eventi organizzati specialmente per i bambini. Lei ha dato il colore della gioia alla mia vita. Mi ha fatto scoprire l’Arte, la Bellezza e la Natura. È stata la persona più importante nella mia vita.

Quando hai deciso di imparare a suonare il violoncello? E perché proprio il violoncello? C’è in particolare un violoncellista o un pezzo per violoncello che hanno fatto nascere in te questo desiderio?
Ho iniziato a suonare nel 2005, un anno più tranquillo dei precedenti nella mia vita professionale e personale. Ho deciso di iscrivermi ad un corso di violoncello. Lo stavo sognando da anni, ma non era stato possibile prima. Purtroppo, ho appena avuto il tempo di cominciare a seguire le lezioni che mi sono ammalata, e ho dovuto smettere, soprattutto per problemi economici. E negli anni successivi sono stata troppo occupata per pensarci. Poi, nel 2017, a Venezia durante un concerto della cantante Flo, mi sono “innamorata” del suo violoncellista, Marco di Palo. Stavo per tornare a casa, sarei partita l’indomani. Appena scesa dall’aereo ho cercato un professore di violoncello e, nella stessa settimana, ho cominciato le lezioni con Alejandro Calzadilla.

Quando hai iniziato a studiare, quali sono state le principali difficoltà che hai dovuto superare? Hai fatto più fatica ad imparare ad usare la mano destra o la mano sinistra?
Ero così ingenua! Sono cresciuta con l’idea che il risultato dipenda solo dello sforzo che si è disposti a fare per raggiungerlo. Ed ero pronta a lavorare sodo. Purtroppo, non funziona esattamente così per le arti… Direi che sono velocemente caduta della mia nuvola rosa. Tutto è stato (ed è ancora!) difficile. Quando mi concentro sulla mano sinistra, l’arco se ne va dappertutto e, quando mi concentro sull’arco, l’intonazione farebbe morire tutti quelli che hanno un orecchio appena sensibile. Per me è difficile mettere tutto insieme. E non parlo dell’interpretazione… Un’altra difficoltà viene della mia età. Ho cominciato a suonare a 64 anni. Avevo già un po’ di dolori qua e là e fare muovere tutti queste vecchie articolazioni non è facile ed è spesso doloroso. Ma il mio professore è un angelo di pazienza e sa adattare le lezioni alla mia situazione.

Sei riuscita subito a trovare l’insegnante che andasse bene per te, o hai dovuto cambiare diversi insegnanti?
Non ho mai cambiato insegnante e non lo voglio fare. Mi conosce bene e, sapendo che non sarò mai capace di suonare molte composizioni complesse, come studi, sonate, etc… mi aiuta con grande attenzione a migliorare piano piano il mio suono. Ci concentriamo su questo.

Quali caratteristiche deve avere, secondo te, un insegnante che insegna ad un adulto?
Pazienza e flessibilità. Perché se il corpo non impara velocemente quanto a sei o dieci anni, la testa va avanti e vorrebbe già sapere tutto. Non posso passare ore e ore ad imparare studi difficili, scale e arpeggi, perché il mio corpo non ce lo fa. Il mio insegnante ha dovuto adattare le lezioni per non farle troppo difficili ma, nello stesso tempo, io ho dovuto accettare di studiare un po’ di tecnica. Non so come fa ad essere sempre così gentile e ripetere sempre le stesse cose. Non so se si comporti nello stesso modo con tutti i suoi allievi (forse io ho la testa troppo dura), ma con me deve ripetere sempre le stesse cose e poi ancora… e ancora.

All’inizio, per capire come dovevi posizionare le mani sullo strumento e come le dovevi muovere, hai guardato come faceva il tuo insegnante, hai ascoltato le sue spiegazioni teoriche o semplicemente hai provato finché non hai ottenuto il risultato che desideravi?
Ho fatto tutto questo e ho guardato anche molti video sul web. Io non sono molto alta e ho dita cortissime, particolarmente i mignoli. Ho dovuto cambiare il violoncello 4/4 con un 7/8. Adesso, suono da quasi tre anni, ma ho ancora problemi con la direzione dell’arco. Mi sono trovata uno grande specchio e provo a guardarmi mentre suono per controllare dove va a passeggiare questo arco a cui sembra piaccia fare del pattinaggio (non artistico) sulle corde. E il mio professore mi deve fare ancora le correzioni a ogni lezione. Io lo osservo, poi provo a fare lo stesso. Poi dimentico ancora…

Hai mai seguito una lezione online? Secondo te quali sono i vantaggi e gli svantaggi di questo tipo di lezione?
Da quando siamo in quarantena per il Covid, faccio le lezioni online. Meglio di niente… sarei disperata se non potessi più avere le lezioni in presenza: non vedo l’ora di ritornare nello studio del mio professore. Quando ho cominciato le lezioni, mi ricordo che lui mi girava spesso intorno, controllando la mia posizione. Mi sembrava così strano. Certamente non sarebbe stato possibile online. Un’altra cosa è che online non è facile lavorare sulla qualità del suono e così spesso non capisco bene come dovrei fare per migliorarmi. Forse dovrei comprare delle cuffie, non so. Penso che le lezioni online vadano bene per gli studenti avanzati, ma per i principianti non sono l’ideale.

Hai mai provato a suonare con qualcun altro? Se sì, quali sono state le difficoltà da superare e quali le emozioni che hai provato?
Ho suonato una volta a Venezia con alcuni amici principianti come me: un violoncellista, un violista, una violinista e una flautista. È stato qualcosa di molto intenso. La prima difficoltà è stata distinguere nell’insieme il suono del mio strumento: non sapevo più se stessi suonando le note giuste o no. Poi, c’è il ritmo… da sola posso rallentare o accelerare come voglio, ma con gli altri… mi sentivo completamente persa. Di più era uno spartito che stavamo tutti leggendo a prima vista. Ma, alla fine, ho capito che suonare con altri strumenti rende la musica più ricca, più profonda. E mi è piaciuto tanto vivere questi momenti. Da me, purtroppo, non conosco nessun musicista per rifare l’esperienza.

Quali pezzi hai adesso sul leggio e quali vorresti riuscire a suonare in futuro?
Adesso sto imparando la Sonata Prima di Giovanni Battista Platti. Sto anche provando il primo capriccio di Dall’Abaco, l’Ave Maria di Schubert, per imparare il vibrato, e uno studio di Schroeder. E poi le scale. La musica che preferisco è quella del barocco italiano. Vorrei suonare tutto questo, soprattutto Lanzetti, Vandini, Pericoli, Giminiani, etc… La cosa migliore per me sarebbe rinascere nel corpo di un violoncellista nella mia prossima vita, perché in questa temo che non avrò tempo di diventare abbastanza brava per suonare questi brani.

Internet dà oggi ai musicisti grandissime possibilità di allargare i propri orizzonti scoprendo anche repertori poco noti. Quali sono le composizioni che ritieni più belle fra quelle che hai scoperto più recentemente?
Devo dire che il sito MyCello mi ha fatto scoprire il repertorio del violoncello. Non ne sapevo quasi niente prima di cominciare a suonare. Ogni giorno ci trovo qualcosa di nuovo e bellissimo. Poco fa ho scoperto così Leonardo Leo e Berteau. Ho anche scoperto Angelo Maria Fioré e Diego Ortiz in un corso Early Italian Cello con Elinor Frey. L’anno scorso ho conosciuto Miaskosky, Rontgen, Pejacevic e tanti altri.

Visto che ti piace in particolare la musica barocca, se qualcuno che non ha mai ascoltato questo genere di musica ti chiedesse il consiglio su un autore da ascoltare, quale gli consiglieresti? E quali composizioni in particolare?
Non sarei capace di consigliare solamente uno. Ma sono sempre eccessiva! Mi sentirei una traditrice a suggerire solamente Vivaldi o Porpora o Willem de Fesh, etc… Questa musica mi parla dolcemente al cuore. Ne ho bisogno ogni giorno.

C’è un violoncellista in particolare che hai ascoltato dal vivo e che apprezzi particolarmente? E qualche violoncellista che ti piacerebbe avere la possibilità di ascoltare dal vivo?
Il primo violoncellista che ho ascoltato in concerto è il grande YoYo Ma, tanti anni fa. Era giovane allora e così vivo sul palcoscenico. Suonava guardando gli altri musicisti dietro di lui con grandissimi sorrisi e io mi chiedevo come facesse a suonare e fare quasi conversazione con gli altri nello stesso momento. Una sera indimenticabile! Allora ho sentito una grande voglia per imparare a suonare il violoncello, ma non era possibile, con la vita professionale intensa che stavo vivendo. Adesso i concerti che mi piacciono di più sono quelli in piccole sale, come quella dello Squero a Venezia o nelle Sale Apollinee della Fenice. Mi sento più vicina, sia agli artisti sia alla musica.

So che tutti gli anni vieni in vacanza in Italia, a Venezia, e che non perdi le occasioni che si presentano per ascoltare concerti. C’è qualche concerto veneziano che ti ha lasciato un ricordo particolare?
L’anno scorso ho sentito il gruppo l’Arte dell’Arco. Una bella complicità tra i musicisti e la mia musica preferita. Cosa potrei chiedere di più?

So che quando vieni in vacanza in Italia non rinunci a studiare il violoncello e che hai trovato un modo “creativo” per non far correre rischi al tuo strumento durante il viaggio. Puoi spiegare ai nostri lettori come è il tuo “violoncello portatile” e come te lo sei procurato?
Da 2012 vado in Italia ogni anno per le vacanze. Quando ho cominciato a suonare ho sentito un forte conflitto tra le mie due passioni: Venezia e il violoncello. Il mio professore mi ha allora parlato della possibilità di avere un violoncello da viaggio. Ho cercato sul web e così ho scoperto il mio Prakticello. È un oggetto interessante, ideato da Ernest Nussbaum, un signore americano che fabbricava gli strumenti a casa sua. Dal mio liutaio ho fatto migliorare il ponte. Il vantaggio è che si può “smontare e rimontare” ed è quindi facilissimo da trasportare. Per dire la verità, non ha un suono granché, ma è perfetto per me, perché non disturbo i miei vicini di casa nell’appartamento che affitto. Alla mia età, non ho tanti anni davanti a me per studiare e non posso smettere alcune settimane di suonare, perché dimenticherei tutto. Allora, viaggio con il “Vittorino” (questo è il nome che ho dato al mio Prakticello). Ma, quando torno a casa, che gioia ritrovare il mio violoncello vero!

Sulla base della tua esperienza, se qualcuno ti dicesse che ha intenzione di iniziare a suonare il violoncello, che consigli gli daresti?
Prima di tutto, soprattutto se la persona non è più giovane, è importante che abbia tanta determinazione, perché non sarà facile e ci vorrà molto tempo. Senza queste due condizioni non vale la pena di pensare al violoncello. Ma è il più bel regalo che qualcuno si possa fare. La musica è una presenza incredibile. Non so se fa parte di me o se faccio parte io di lei, ma siamo insieme per sempre.

Grazie Michèle Ferron per aver accettato di condividere con noi il tuo sogno! Speriamo che tu possa tornare presto nella Venezia che tanto ami, ad ascoltare musica e a studiare senza disturbare i vicini, con il tuo “Vittorino”.

11 maggio 2020

Giovanni Gnocchi non ha bisogno di presentazione. Nel periodo di quarantena, la sua vita frenetica si è per un attimo fermata, e Giovanni ha voglia e tempo di rispondere alle mie domande.
Pensi che il fatto di essere nato a Cremona, patria della liuteria, abbia in qualche modo influenzato la tua scelta di suonare il violoncello? Ricordi quando hai visto e sentito per la prima volta un violoncello? Certamente ha influenzato la mia scelta per gli strumenti ad arco! Grazie ad un amico tedesco: Reiner Hertel, biologo tedesco, compagno di Collegio Ghislieri di Pavia di mio padre, e poi professore all’Università di Freiburg, portò il suo figlio violinista, Wolfgang, a Cremona a cercare uno strumento da comprare, e l’ascolto del suono del violino, un bellissimo strumento di Bissolotti, mi aveva affascinato e completamente rapito! Il calore del suono, la magia che si provocava allo strofinare dei crini sulle corde, la profondità della vibrazione e la capacità di entrare subito in sintonia con il profondo della nostra emotività e davvero “parlarci”, come non avevo mai sentito, mi segnarono per sempre! Poi le mie vicende all’interno della scuola musicale di Cremona sono state un po’ complicate, non certo rosee o felici sin dall’inizio. Era allora una realtà appena nata e agli inizi, e quindi anche molto provinciale e per certi versi amatoriale. Credo di essere stato messo nella classe di violoncello un po’ per riempire una classe mezza vuota quando quelle di violino erano piene, e stranamente non mollai come invece tutti i miei compagni, ma forse già allora veniva fuori la mia perseveranza, fedeltà ad un compito, o semplicemente se preferite, testa dura… Poi ebbi anche la fortuna di incontrare un paio di persone che mi aiutarono sicuramente a non sentirmi un “alieno”, e forse davvero cambiarono la vita allora, ovvero il liutaio Marcello Villa, che è anche un ottimo violinista, con cui, da quando io avevo 12 anni e lui 24, ho passato diversi pomeriggi in bottega a parlare di musica, ad ascoltare registrazioni e che mi ha fatto conoscere moltissimo, sulla storia della musica, sul repertorio, e con cui condividevo certamente la grandissima passione per l’ascolto, la ricerca e la scoperta, ed il violinista Andrea Rognoni, di qualche anno più grande di me, che ora è solista e spalla dei secondi nell’Europa Galante di Fabio Biondi, e che già da giovane era serissimamente determinato a fare il musicista di mestiere (cosa che sta facendo egregiamente, suonando appunto oltre che con Biondi, con Zefiro, Ottavio Dantone e l’Accademia Bizantina, il Collegium di Gent con Herreweghe, e nel suo fantastico AleaEnsemble!), anche se una scelta del genere, nella Cremona tra anni ’80 e ’90, sembrava un’assurdità e un enorme azzardo, quasi da pazzi, purtroppo. Quindi, soprattutto anche grazie a loro, all’inizio, sono riuscito a sopravvivere e a tenere duro! Poi certamente ha contribuito in maniera sostanziale l’opportunità di poter ascoltare a Cremona le lezioni di Rocco Filippini, e anche quelle di Accardo, Giuranna e Petracchi, che hanno avuto palesemente il merito di saper attrarre nella nostra città i migliori giovani strumentisti allora in circolazione, grazie ai quali ho scoperto, ascoltandone le lezioni, altro repertorio, e ho imparato alcuni principi musicali e strumentali: ricordo benissimo le lezioni e concerti con i giovani Marco Decimo, Relja Lukic, Simonide Braconi, Francesco Fiore, Alfredo Persichilli, Federico Guglielmo, Massimo Quarta, Sonig Tchakerian, Marco Rizzi, Sergey Krylov! Credo di aver passato interi pomeriggi seduto in quelle aule a fare immersione nella condivisione della musica e nella scoperta di un mondo che sentivo già mio. A posteriori Simonide (Braconi) mi ha confessato che si dicevano tra di loro: “Ma chi caspita è quel ragazzino che sta qui tutto il giorno??”. Del suono di violoncello ascoltato da bimbo ho invece alcune memorie non perfettamente definite, ma ricordo un Triplo di Beethoven con Accardo, Filippini e Maria Tipo e la Chamber Orchestra of Europe, che Accardo invitava spesso al Festival di Cremona, e poi un concerto di Paul Tortelier a Cremona, in cui presentava e suonava il suo Mon Cirque! I miei genitori sono sempre stati molto appassionati di musica (mi han detto che sono nato sulle note dello Stabat Mater di Pergolesi!) e ho avuto la fortuna di poter andare ai concerti sin da bambino, in particolare mia mamma adora l’opera (Mozart e Carmen i suoi favoriti!) mentre mio padre ha sempre avuto una gran cultura anche del repertorio strumentale tedesco. Ad esempio mi portò, attorno ai 12 anni, a sentire il Quartetto Takacs che suonava Webern e il Quartetto op. 132 di Beethoven, e ricordo che ero rimasto un po’ quasi alterato nel sentire che questi strumentisti “litigassero” o avessero dei veri “diverbi musicali” sul palco, ma la cosa poi mi aveva molto incuriosito, tanto che nei primi giorni della mia seconda media non c’era una mattina che non mi riascoltassi un po’ dell’Op. 132 prima di andare a scuola!

Spesso chi inizia a suonare uno strumento ha un brano in particolare che ha sentito suonare da un grande interprete e che sogna di suonare. C’è stato anche per te questo brano? E un grande interprete?
Non vorrei deludere chi ci segue e legge questa intervista ma… a dire il vero non ricordo DAVVERO un sogno del genere in particolare, diciamo che nel periodo tra i 12 e i 14 anni mi innamoravo di un po’ tutti i brani che sentissi (e che poi riascoltavo allo sfinimento, come credo le mie sorelle e i miei genitori possano testimoniare… però ogni tanto mettevo le cuffie!), sicuramente posso dire di aver “consumato” la registrazione del Concerto di Schumann con Misha Maisky, Bernstein e i Wiener Philharmoniker e il Concerto di Barber con Yo-Yo Ma! Sicuramente questi due interpreti hanno avuto un grandissimo impatto su di me fin da subito, il primo per l’incredibile bellezza del suono, caldo, rotondo e cantabile, il secondo per questo personalissimo modo di poter parlare direttamente a chi lo ascolti sin dalle prime note. Ma devo anche citare le Variazioni su un tema di Haydn op. 56 e la Prima Sinfonia di Brahms con Georg Szell e la Cleveland Orchestra, il Requiem di Mozart, il Concerto K 466 con Ashkenazy, insomma non solo violoncello!

Un violoncellista di solito studia con un maestro e poi si perfeziona con altri. Confrontarsi con il punto di vista di un maestro diverso dal proprio, secondo te, è utile ad ogni età? O è meglio, prima, procedere per un certo tempo sotto la guida di un unico maestro? Nel tuo caso, come sono andate le cose?
Posso dire che, da una certa età in poi, è sicuramente utilissimo potersi confrontare con diversi punti di vista e approcci, il problema sorge forse nel momento in cui non si abituano i ragazzi a mettere le informazioni in prospettiva, e non solo nella musica, sin da piccoli. Ovvero, sviluppare il senso critico, la capacità e abitudine a saper contestualizzare ogni informazione che si sente o riceve, alimentare la continua curiosità, abituarsi a farsi delle domande, mettere in discussione anche le grandi certezze per potersele “spiegare meglio” e quindi capirle meglio, chiedersi cosa si può fare di più e anche saper controllare a che punto del lavoro si è giunti. Sono tutte cose alle quali si potrebbero e dovrebbero educare tutti sin da bambini, anche per avere cittadini responsabili e consapevoli, e non sudditi, credo. Se si ha la fortuna di avere un docente serio che ti segue, e se si spiega con franchezza e con la giusta “laicitá” anche il mestiere della musica, a quel punto poi non ci dovrebbero essere problemi a confronti tra modi diversi di esprimere gli stessi concetti o punti di vista diversi sugli stessi aspetti. (Quando si studia La Divina Commedia al liceo o Leopardi alle medie, le note a piè di pagina spesso ci parlano di diverse interpretazioni di alcuni passaggi!) Io, negli ultimi anni di studio, più o meno nello stesso periodo, ero allievo di Clemens Hagen al Mozarteum e andavo alle Masterclass di Steven Isserlis in Cornovaglia e poi di Natalia Gutman a Fiesole, tre violoncellisti che hanno ad esempio una scuola di arco e un’immaginazione del suono davvero molto diversa tra loro, ma posso dire di essere stato felicissimo e fortunato ad aver potuto lavorare con loro e imparare da loro! Nella realtà attuale in Italia ci sono sempre più eccellenti docenti di Conservatorio. Purtroppo, però, devono spesso districarsi in un mondo di continue leggi infauste dettate dalla politica, e soprattutto vengono nominati dal MIUR assolutamente troppo tardi nell’anno scolastico e vengono spesso costretti a spostarsi da una città all’altra, il che significa molto spesso non poter costruire una classe nel tempo (perché questo processo ha bisogno di tempo per poter radicare una mentalità anche nel territorio) e ovviamente creare problemi agli studenti: cambiare spesso docente, magari anche ad anno scolastico iniziato, è un incubo. Poi, dall’altro lato, sappiamo che ci sono anche un sacco di esempi, e i miei amici e colleghi me ne parlano in continuazione, di persone non adatte al mestiere che sono chiamate a fare, o che non hanno voglia di dedicarsi con passione agli anni più importanti della formazione delle persone prima e dei futuri professionisti poi: in questo momento, con queste leggi e riforme ministeriali davvero sfortunate, abbiamo ancor più bisogno di figure di riferimento stabili, con la giusta professionalità e competenza, dedite anima e corpo alla causa. Negli ultimi 30 anni, un grande esempio è stato sicuramente Luca Simoncini, con il quale ho avuto la fortuna di diplomarmi, e col quale, anche studiando solo al decimo corso e un poco l’anno successivo, ho imparato più che in tutti gli anni precedenti. Sarebbe bello che la figura dell’insegnante di base venisse riconosciuta con grande ammirazione anche da parte della società (e quindi in ultima istanza anche dai suoi stessi studenti), il riconoscimento dell’importanza di questo ruolo permetterebbe, col tempo, anche eventualmente di avere più docenti appassionati e gratificati in questo mestiere difficilissimo ed importantissimo! Poi, ovviamente, assisto anche ad un grandissimo cambio epocale nelle abitudini di base dei giovani. Nei modi dell’apprendimento, internet ha aiutato per certi versi, ma ha creato anche tanti danni. Il primo danno tra tutti è la grandissima e disarmante superficialità a cui può abituare: posso dire che, tenendo Masterclass negli ultimi anni, al di là di competenze specifiche professionali, tecniche, capacità nell’uso dell’arco o conoscenza anche teoriche prettamente musicali come l’armonia o alcuni principi di prassi esecutiva (tutte cose che si possono imparare col tempo!), l’aspetto che mi allarma di più è la scarsa abitudine a pensare, la totale mancanza di iniziativa. Spesso vedo ragazzi che, nella vita normale, sono brillanti, simpatici, ironici ed estremamente vivi, mentre quando si siedono col violoncello sembrano altre persone, demotivate, spente, acritiche e abuliche. Credo che questo sia un aspetto da considerare davvero seriamente. Senza generalizzare, ovviamente, ma sfido chiunque a negare che, quando si trova un giovane allievo brillante o semplicemente bravo, spesso in molti ambienti se ne parla come di un’eccezione! (Pensate se un laureando in Medicina che ha voti alti venisse considerato un’eccezione… ecco, non saremmo tanto in buone mani nei nostri ospedali, e guardate invece in questi giorni quanto dobbiamo ai nostri concittadini che lavorano per la Sanità, e che vorrei ancora ringraziare tantissimo…). Mia madre, che insegnava nelle scuole elementari, mi diceva sempre che, se i risultati di una prova di verifica sono troppo negativi, significa che essa è troppo difficile, ma se va troppo bene significa che è troppo facile. In una classe dovrebbe esserci sempre un giusto equilibrio tra allievi più dotati e che “vanno bene” e altri che vanno “meno bene”, con tutte le vie di mezzo intermedie. Andiamo a guardare i voti finali degli esami in Conservatorio, spesso roboanti e con varie lodi e menzioni (in Italia come anche altrove, ma iniziamo da noi!), e poi andiamo a vedere, dopo 10 o 15 anni, che mestiere fanno questi ragazzi, e chiediamoci se non è il caso di rivedere la giusta selezione anche nei primi anni di studio.

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Federica Castro, Simone Cricenti, Carla Scandura e Francesco Tanzi quattro giovani amici che hanno deciso di formare un quartetto di violoncelli: il “Quartetto Zuena”.
A quanti anni avete iniziato a suonare il violoncello? Perché avete scelto proprio il violoncello, e qual è stato il vostro percorso di studi?
FEDERICA: Ho intrapreso lo studio del violoncello a 8 anni con il Maestro Flavio Bombardieri, che tutt’oggi considero il mio papà-del-violoncello e a cui sarò grata per sempre per essere riuscito a seminare dentro una piccola bambina una passione così particolare e in un modo così costante e duraturo. Credo che l’attenzione per la Musica mi sia stata naturalmente tramandata dalla famiglia, in casa mia l’ascolto è sempre stato qualcosa di abitudinario, qualcosa che ho appreso con naturalezza e spontaneità. Mi innamorai del violoncello nel 2001, la prima volta che lo abbracciai. E da allora è diventato come un’estensione del mio corpo. Ho proseguito gli studi al conservatorio “G. Donizetti” di Bergamo con il Maestro Roberto Ranieri e, dopo il diploma tradizionale, ho scelto di perfezionarmi con il Maestro Andrea Cavuoto i cui precetti seguo tuttora.
FRANCESCO: Ho cominciato a suonare il violoncello a 11 anni come “ripiego” dagli studi di pianoforte. Non potevo sapere allora che ne sarebbe nato un amore incondizionato. Ho seguito a Monopoli il maestro Marcello Forte fino al diploma in Conservatorio per poi trasferirmi a Milano per gli studi magistrali. Qui ho incontrato il maestro Andrea Cavuoto e adesso lavoro con lui.
CARLA: Ho iniziato a studiare il violoncello all’età di 7 anni, in realtà un po’ per gioco. Un giorno mio padre mi ha portato a sentire una lezione concerto durante la quale un violoncellista ha suonato “Pierino e il lupo” e da quel giorno il mio obiettivo era suonare quel pezzo. Da quel giorno sono passati un sacco di anni durante i quali ho frequentato il Conservatorio, mi sono diplomata al “B. Marcello” di Venezia.
In seguito ho frequentato alcuni corsi di perfezionamento tra cui quelli del M° Sollima e ho fatto parte dell’Orchestra Giovanile Italiana.
SIMONE: Buongiorno, sono Simone Cricenti, nato a Genova il 19/02/1994. Ho iniziato a studiare violoncello all’età di 10 anni, perchè la classe di violino del corso extracurricolare scolastico era piena! Mi sono diplomato V.O. e svolto il Master presso il Conservatorio N. Paganini, ho frequentato l’Accademia del Teatro alla Scala e studiato all’Accademia Santa Cecilia di Portogruaro nella classe di E. Bronzi; ho frequentato masterclass con U. Clerici, G. Gnocchi, M. Polidori e G. Geminiani. Son al secondo anno di Musicoterapia presso l’Associazione Progetto Espressione. Studio tutti i giorni!

Durante gli anni di studio avete fatto esperienze di musica d’insieme, quali sono state le più significative?
FEDERICA: Durante gli anni di studio in conservatorio ho sempre partecipato con passione e dedizione all’attività accademica maturando buona esperienza in formazioni cameristiche, oltre che orchestrali. Per questo ritengo che la musica da camera sia il linguaggio che sento maggiormente vicino, affine al mio modo di esprimermi e che, per tale ragione, preferisco. L’esperienza più significativa fino ad oggi, e tra le tante in ambito orchestrale, è certamente la collaborazione con l’Accademia del Teatro alla Scala per il biennio 2017-19. In questo contesto non solo ho avuto la possibilità di esaudire il sogno nel cassetto di ogni artista, ossia esibirsi al Teatro alla Scala ma anche aver fatto esperienza in programma sinfonici, operistici e balletto affiancati da nomi di calibro internazionale quali David Coleman, Vladimir Fedoseyev, Michele Mariotti, Ádám Fischer, Paul Murphy, Daniel Oren, Leo Nucci, Woody Allen. Ad oggi continuo a coltivare la passione per la musica da camera non solo con il Quartetto Zuena, di cui sono estremamente orgogliosa, ma anche approfondendo il repertorio cameristico in altre formazioni (duo, trio e quartetto) con altri colleghi.

CARLA: Durante gli anni del conservatorio ho avuto modo di fare esperienza sia in formazioni cameristiche, sia orchestrali. Una delle esperienze più belle e significative è stato esibirsi davanti al Presidente della Repubblica nelle sale del Quirinale con l’Orchestra da Camera del Conservatorio di Trieste. Ma l’esperienza che mi ha formato di più è stata quella con l’Orchestra Giovanile Italiana di Fiesole, che mi ha dato modo di lavorare con Maestri importanti quali D. Gatti, J. Axelrod, A. Poga ed esibirmi nei più importanti teatri italiani.
FRANCESCO: Durante gli anni in Conservatorio ho fatto musica d’insieme fin da subito. L’esperienza più forte è stata quella col quartetto d’archi col quale ho avuto modo di esplorare gran parte del repertorio per questa formazione.
SIMONE: Tutta la Musica è Relazione, con se stessi, con l’altro: come membro del Quartetto Zanardi l’ho capito subito. Come membro del Quartetto Januensis ho avuto modo di studiare con C. Costalbano, il Quartetto di Cremona, il Prometeo e Delian. Ho studiato musica da camera con M. Damerini. Sono stato selezionato per l’ONC e l’ONCI: ricordo con piacere le produzioni presso il Quirinale, l’Arena di Verona e l’indelebile produzione con E. Dindo e M. Rizzi. Anche il lavoro col Noos ensemble, laboratorio di musica contemporanea mi ha arricchito come musicista e persona.

C’è stato in particolare qualche violoncellista che è stato per voi un punto di riferimento ideale?
FEDERICA: I “Grandi” li conosciamo tutti ed è scontato doverli citare: Rostropovich, Yo-Yo Ma, Capuçon, Maisky, Tortelier, Gabetta… gli italianissimi Sollima, Polidori, Bronzi, Dindo, Brunello, Gnocchi e tanti altri. Però uno dei “grandi” lo porto nel cuore. Durante gli anni di studio, infatti, la figura da cui ho tratto maggiormente ispirazione è stata certamente lei: Jacqueline du Pré. È per tale ragione che al diploma scelsi di presentarmi con il concerto di E. Elgar, il concerto che la rese più celebre di quanto già non lo fosse e la cui interpretazione viene descritta come leggendaria e definitiva. Per Jacqueline du Pré nutro una sorta di ammirazione devozionale, non solo in quanto violoncellista ma anche per il fascino che cela la sua vita e la sua storia. Non da meno, l’ho sentita vicino perché donna, icona dell’emancipazione di genere.
FRANCESCO: In Conservatorio si cresce con il santino di Rostropovich in classe, quindi sicuramente è stato un punto di riferimento importante.
CARLA: Sicuramente sono tanti i violoncellisti da cui trarre ispirazione, però la violoncellista che mi ha emozionato più di tutte è stata Jacqueline Du Pre. Non vorrei passare per la femminista del gruppo, ma mi piace ricordarla fra gli innumerevoli nomi maschili.
SIMONE: Nutro stima e affetto per N. Zanardi, P. Ognissanti, E. Bronzi, E. Dindo, M. Brunello, M. Polidori, G. Sollima, M. Leskovar , Yo-Yo Ma, M. Rostropovich, J. Du Prè, S. Gabetta, G. Capuçon, F. Dillon e G. Porcile.

Come vi siete conosciuti? Perché avete deciso di costituire un quartetto di soli violoncelli e da quanto tempo suonate insieme?
Fu un appuntamento al buio combinato da Federica quello del Quartetto! L’occasione di formare un quartetto di violoncelli ci si è presentata per partecipare alla prima edizione della MaMu Cello Tenzone, una competizione amichevole per ensemble di violoncelli tenutasi il 2 dicembre 2018 al Magazzino Musica di Milano. Si può dire che l’incontro e l’unione di noi quattro quindi siano nate solo per gioco. Tuttavia, dopo aver vinto la prima edizione della MaMu Cello Tenzone, in occasione della quale abbiamo presentato il brano Mare Nostrum di Francesco, abbiamo capito che questa formazione ci stava a cuore e così il Quartetto Zuena è diventato un vero e proprio progetto. Il nome «Zuena» è nato in una pizzeria di Genova tra un sorriso e una focaccia e significa «giovane» nel dialetto della città. Questa parola non solo vuole rappresentare la fiamma della giovane età ma anche l’aspetto “popolare” del progetto.

È facile reperire composizioni per quattro violoncelli? C’è qualcuno fra voi che si occupa degli arrangiamenti, o li realizzate insieme?
Un nostro mantra è: «Non esiste “facile-difficile”, ma “Lo desidero-non lo desidero”».  Non è vasto il repertorio originale per il nostro ensemble, ma esistono numerose trascrizioni. Molti violoncellisti, tra i quali Grutzmacher e Sollima per esempio, hanno realizzato arrangiamenti storici di brani celebri per questa formazione. Per quanto ci riguarda Francesco e Federica si occupano di mettere insieme le nostre idee, sovvertendo la “classica” gerarchia delle parti. Nei nostri arrangiamenti, infatti, tutti i violoncelli sono importanti e la parte del quarto è sempre protagonista quanto quella del primo.

I violoncellisti, fra i musicisti che suonano strumenti “classici”, sembra che siano oggi i più aperti ad esibirsi anche in contesti non “classici”, o a proporre brani di musica “classica” al pubblico abituato ad ascoltare musica “leggera” e brani di musica “leggera” al pubblico abituato solo ad ascoltare musica “classica”. Secondo voi, qual è la ragione di questo fenomeno?
Perchè siamo i più belli e simpatici, ahahah! Premesso che stiamo parlando di un fenomeno, che ci risulta, non accompagnato da studi, si potrebbe pensare che ciò sia dovuto alle grandi versatilità e potenzialità timbrico-espressive dello strumento e diversi ruoli interpretati anche in diversi generi musicali. Negli ultimi anni a far conoscere lo strumento hanno contribuito alcuni fenomeni musicali tra i quali gli italianissimi 100Cellos e gli internazionali 2Cellos, rendendolo famoso al vasto pubblico.

Gli organizzatori di concerti, sono interessati a proporre il vostro quartetto al loro pubblico, o preferiscono proporre formazioni cameristiche più tradizionali? Quali sono stati, finora, i vostri concerti più significativi?
Riscontriamo grande curiosità ed interesse a proporre ciò che desideriamo condividere! Al concerto di premiazione del concorso CelloTenzone abbiamo realizzato il nostro sogno di suonare con Giovanni Sollima. All’Ospedale di San Donato abbiamo cercato di donare la nostra umanità. Ringraziamo anche Milano Classica per averci dato l’opportunità di esibirci nella suggestiva atmosfera della Palazzina Liberty. Il nostro concerto più bello? Quello che verrà!

In questi giorni, in cui siete costretti a stare fisicamente lontani, siete comunque riusciti a realizzare dei bei video. Quali sono i problemi che avete dovuto superare? 
Questo è stato per forza di cose il nostro primo “video a distanza” e dobbiamo ammettere che non è stato facile. La cosa forse più complicata è stata sincronizzarci tra di noi. Nonostante questo, la distanza chilometrica non ci ha mai spaventati! Dopotutto, doverci confrontare per via telematica è qualcosa che abbiamo sempre fatto. Cerchiamo di restare uniti, capire i momenti personali di ognuno, migliorare nella nostra comunicazione, a maggior ragione in questi momenti non facili. Oltre al tempo, la connessione internet è il primo grande intralcio a questo modo di procedere: vorremmo fare molte più cose! Vediamo le nuove tecnologie come un momento per aggiornarci, imparare nuove possibilità di espressione.

Quando, finalmente, potrete uscire di casa e trovarvi insieme a suonare, quale sarà il primo pezzo che proverete?
Siamo attualmente molto presi dai lavori presenti che non stiamo pensando a cosa verrà dopo e quando. Molto dipenderà da quale sarà il nostro primo appuntamento che ci auguriamo possa avvenire il prima possibile! Sicuramente sarà una nuova “prima volta”. Magari per darci la carica potremo cominciare con Jackson’s Five.

Quali sono i progetti musicali a cui state lavorando con il vostro quartetto?
Fino a qualche settimana fa stavamo lavorando a diversi progetti che ci avrebbero visto impegnati nella prossima estate. Tra questi alcuni concerti a Milano per Milano Classica e l’Estate Sforzesca, l’highSCORE Festival di Pavia, a ottobre una doppia giornata per la Giovine Orchestra Genovese in occasione dei Rolli days, e altri eventi in forma privata.
Tanti i nostri sogni nel cassetto su cui lavoriamo per cercare di realizzarli!!!!
GRAZIE PER LA LETTURA E A CHI CI SUPPORTA.

Grazie a voi per la vostra disponibilità e in bocca al lupo per il futuro del vostro quartetto!

27 aprile 2020

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